sábado, 4 de mayo de 2019
El Capitán
Título original: Der Hauptmann
*** 7.4
Año: 2017
País: Alemania,Francia,Polonia,China
Género: Drama, guerra
Dirección: Robert Schwentke
Guión: Robert Schwentke
Duración: 110 min
Reparto: Max Hubacher, Milan Peschel, Frederick Lau, Bernd Hölscher, Waldemar Kobus, Alexander Fehling, Samuel Finzi
Idioma: aleman subs español
Sinopsis: En los últimos momentos de la II Guerra Mundial, en plena caída del III Reich, Willi Herold, un soldado desertor de 19 años, andrajoso y hambriento, encuentra un uniforme de un capitán nazi. Haciéndose pasar por un oficial, Herold comenzará a transformarse usando la autoridad que le proporciona su nueva identidad, revelando la monstruosa esencia de aquellos de los que trata de escapar
viernes, 3 de mayo de 2019
El intruso
Título original: L'intrus
*** 7.00
Año: 2004
País: Francia
Género: Drama
Dirección: Claire Denis
Guión: Jean Paul Fargeau, Claire Denis, Jean-Luc Nancy (Novela)
Duración: 120 min
Reparto: Michel Subor, Grégoire Colin, Béatrice Dalle, Karin Bambourough, Katya Golubeva, Florence Loiret-Caille
Datos del archivo:
Idioma: Francés con subtítulos en español
Sinopsis: Un ciudadano francés, ya sexagenario, saca una importante suma de dinero de un banco suizo para sufragar su transplante de corazón. Después de la operación, viaja a Corea del Sur para discutir sus planes de construir el barco de sus sueños. Más tarde, el hombre continuará con un viaje hasta Tahití en busca de un hijo perdido
viernes, 26 de abril de 2019
Perturbada
Perturbada
Título original: Unsane
** 6.4
Año: 2018
País: Unidos
Género: Drama, terror
Dirección: Steven Soderbergh
Guión: Jonathan Bernstein, James Greer
Duración: 96 min
Reparto: Claire Foy, Juno Temple, Aimee Mullins, Amy Irving, Jay Pharoah, Joshua Leonard, Colin Woodell, Sarah Stiles, Polly McKie, Ursula Triplett, Laura Rothschild, Lance Coughlin, Matt Damon
Idioma: ingles subs en español
Sinopsis: Una joven perseguida por un acosador es recluida contra su voluntad en una institución mental donde se ha de enfrentar a su mayor temor, pero ¿es real o es producto de sus delirios?...
Película rodada entera con un iPhone y presentada en el Festival de Berlín 2018.
sábado, 20 de abril de 2019
La batalla por Sebastopol
La batalla por Sebastopol
Título original: Bitva za Sevastopol
*** 7.2
Año: 2015
País: Ucrania, Rusia
Género: Bélico. II Guerra Mundial. Biográfico
Dirección: Sergey Mokritskiy
Guión: Maksim Budarin, Maksim Dankevich, Leonid Korin, Egor Olesov, Sergey Mokritskiy
Duración: 110 min
Reparto:
Yuliya Peresild, Yevgeni Tsyganov, Joan Blackham, Anatoliy Kot, Oleg Vasilkov, Nikita Tarasov, Stanislav Boklan, Sergey Anashkin, Natella Abeleva-Taganova, Polina Pakhomova
Idioma: Español, Ruso con subs en inglés y español
Sinopsis: Lyudmila Pavlichenko es una joven estudiante rusa que, durante la guerra, se vio obligada a alistarse en el ejército en el año 1941. La chica resultó ser una francotirador nata; su impresionante habilidad y destreza la hacen destacar entre hombres y mujeres por igual. Al ver en Pavlichenko una amenaza tangible, el alto mando alemán da ordenes de eliminar a la muchacha a cualquier precio. (FILMAFFINITY)
Reflexiones sobre la película “La batalla por Sebastopol”
Nicole Schuster
En el contexto del enfrentamiento actual entre Ucrania y Rusia, la película titulada “La Batalla por Sebastopol”, tiene –como lo declaró su realizador Sergueï Mokritskï que creció en Ucrania y vive en Rusia, la ambición de re-unir, al menos por un par de horas, esos dos pueblos que, hace pocas décadas, compartían la misma historia (1) y el mismo gobierno central. Su estreno, en el año 2015, no podía ser más oportuno, sobre todo si se considera que la película goza del consenso tanto de Rusia como de Ucrania en cuanto a su contenido y difusión.
Mokritskï logra su objetivo al reproducir de una manera apolítica la trayectoria de la tiradora de élite ucraniana, Ludmila Pavlitchenko, y la percepción que ésta tiene del camino profesional y sentimental que recorre. Ello es una verdadera hazaña, si uno considera que la guerra es un asunto sustancialmente político y que el famoso axioma de Carl Von Clausewitz, según el cual «la guerra es la continuación de la política por otros medios», no ha perdido nada de su vigencia.
“La Batalla por Sebastopol” se abre sobre un cielo azul límpido atravesado por un avión que parece dirigirse hacia la pantalla y estar a punto de estrellarse en ella. Las dos banderas fijadas en la parte delantera del carro diplomático que espera en un aeropuerto nos indican que se trata de la visita en la Unión Soviética de un alto dignatario proveniente de Estados Unidos. La segunda toma nos traslada prácticamente hacia el interior del vehículo oficial estacionado cerca del avión que acaba de aterrizar en el aeropuerto de Vnukovo en Moscú, en el año 1957. El alto dignatario es, en realidad, una dama de edad, con un aire decidido y de porte erguido. Ocupa el asiento trasero al lado de su secretario. Ella es la señora Eleanor Roosevelt. El presidente Nikita Khrushchev la espera en ocasión de su llegada en el territorio soviético. La cita en la película coincide con la entrevista que la ex primera dama estadounidense le realizó en la vida real a Khrushchev, en Yalta, para el New York World-Telegram (2).
La estructura narrativa de la película está fundamentada en el relato que hace Eleanor Roosevelt de su encuentro con la heroína soviética, Ljudmila Pavlichenko. Por lo tanto, sigue un proceso cronológico no-lineal jalonado de flashbacks que revelan cómo las diferentes etapas que marcan la trayectoria profesional de la protagonista principal del film, Ljudmila, se entremezclan con la actividad humanitario-política de Eleanor Roosevelt a partir del año 1942.
La trama de la película es simple: en una época anterior al desencadenamiento de la Segunda Guerra mundial, Ludmila se distingue de sus colegas al evidenciar talentos espectaculares en el campo de experimentación de tiro, lo cual la llevó a graduarse en un programa militar de puntería. Mientras Ljudmila estudiaba historia en la universidad, Hitler lanzó una ofensiva militar en dirección de Sebastopol en el Mar Negro (Crimea) debido a la importancia estratégica que tiene este puerto, una operación que durará desde octubre 1941 hasta julio 1942.
La película enfoca este episodio de la vida real, que correspondía, para Ljudmila, a su incorporación a la 25ª División de Infantería del Ejército Rojo y a su pertenencia al conjunto de las dos mil francotiradoras soviéticas, de las cuales tan sólo quinientas sobrevivieron a la conflagración (3). Durante la Gran Guerra Patria –como llaman en Rusia a la Segunda Guerra mundial– ella fue un modelo de rectitud y de profesionalismo para los soldados soviéticos. De hecho, convertida ya en los primeros años del conflicto en una leyenda, Ljudmila sirvió a la campaña de mejoramiento de la moral de las tropas ideada por las altas autoridades militares soviéticas. Asimismo, estas últimas dieron la orden expresa de que esta joven de apenas veinticinco años, símbolo de la defensa de la Patria, de la “Rodina Mat’ ”, fuera protegida por sus superiores ante cualquier evento susceptible de hacer peligrar su vida. Mientras algunos velaban por su integridad, allende las fronteras soviéticas, deseaban aniquilar a este mito viviente. Más de una vez, la máquina propagandística nazi instrumentalizó su notoriedad al difundir la falsa noticia de su muerte. Se procuraba con ello alentar a los soldados de la Wehrmacht y confundir al adversario.
Sus calidades personales y su dedicación a la Patria incitaron al Ejército Rojo a confiarle la misión de ir a Estados Unidos y convencer a sus dirigentes de contribuir de manera proactiva a la formación de un Segundo Frente en Europa para repeler al enemigo nazi. Es en el marco de esta exitosa campaña de persuasión en Estados Unidos que Ljudmila conoció, en el año 1942, a Eleanor Roosevelt, la cual quedó impresionada por la personalidad de la joven soviética.
La película descubre aspectos interesantes, propios a la línea ideológica soviética, como el hecho de integrar a las mujeres en la jerarquía militar, asignarles misiones similares a las de los soldados, y poniéndolas, en la práctica, en pie de igualdad en materia de género y derechos con los hombres. Y, aunque el rol que asumían hubiera podido eclipsar su lado femenino dado que remite a un ethos cargado de masculinidad y virilidad, Sergueï Mokritskï se empeña en mostrarnos a Luzmila reivindicando su feminidad.
Otro tema que la película resalta es aquel de los valores familiares e individuales. La voluntad de amar es una constante vivificadora en la historia de la guerra, pese a que esta puede matar al ser amado. Cuando la vida se ha convertido en una simple prórroga, el amor se vuelve más intenso. Significa sobrevivir a través del otro y por el otro, trascenderse a sí mismo y sentirse inmune frente a la irracionalidad e incertidumbre de la situación. El amor en la guerra es el anhelo de dar en un momento en que la guerra quita. Es la mayor prueba de desprendimiento y de confianza en la vida que uno pueda ofrecer.
Ljudmila, no obstante su objetivo de matar a los nazis y la posibilidad de ser igualmente víctima de los tiros del enemigo, no renuncia a su deseo de amar, ser amada, convertirse en madre. La guerra es muerte, pero también es vida: la vida que uno otorga a sus prójimos al garantizar su defensa matando al enemigo; la vida propia que uno trata de preservar en un entorno mortífero; la vida que viene de los fuertes vínculos de amistad que se forjan cuando uno pelea al lado del otro. Todo eso, lo experimenta Ljudmila gracias a su segundo amor, Leonid Kitsenko.
Esta dualidad vida-muerte es evidenciada a través de momentos desgarradores como aquel en que su amado, Leonid, la salva de la muerte en medio de un campo totalmente minado. Como a veces ocurre en la guerra (y en las películas), la salvación de uno significa la muerte del otro. Única en su género es esta escena en que, mientras corrían a través del terreno rebosante de explosivos, él la agarró por detrás para tirarla contra la tierra y abrigarla con su cuerpo. Murió con su cabeza sangrando en la nuca de Ljudmila y sus brazos protectores ciñéndole los hombros. Inmediatamente después, vemos a la actriz que avanza a duras penas en el terreno devastado por las minas. Carga al hombre que más amó sobre la espalda, en la misma posición en que él había fallecido. Huelga decir que él se sacrificó por ella en nombre de un amor que, quizás, se da solamente cuando uno vive rozando la muerte.
Estamos ahora en el año 1957, en plena representación de una obra de música clásica. Nuestra heroína se encuentra en compañía de su hijo (cuyo padre, sin duda, es Leonid) y de Eleanor Roosevelt. Su rostro y caballera son marcados por el envejecimiento prematuro, producto de la dura prueba a la que el destino la sometió ella y su país durante la invasión nazi. En esta sala de conciertos, donde, sucesivamente, cada uno de nuestros protagonistas mira al otro con ojos llenos de confianza, todo respira la paz y la serenidad. La música, uno de los elementos fundamentales del universo, según Pitágoras, proporciona una sensación de armonía.
El objetivo de esta última escena, que cierra el relato de la señora Roosevelt, es recordarnos que, por encima del odio que nace de la guerra, de las situaciones adversas y del extremo sufrimiento que uno puede sentir a causa de ellas, predominan los valores fundadores como: la creencia en lo sagrado de la existencia, la amistad que va más allá de las fronteras, y la lucha para que subsistan lo vivo, el amor, y sus frutos, que son el futuro.
Un día Pina Pregunto...
Un día Pina Pregunto...
Título original: Un jour Pina a demandé...
*** 7.2
Año: 1983
País: Francia, Bélgica
Género: Documental - Ballet - Mediometraje
Dirección: Chantal Akerman
Guión: Alain Plagne
Duración: 57 min
Reparto: Documental, Pina Bausch, Chantal Akerman
Idioma: Francés sin subtítulos en español
Sinopsis: Chantal Akerman sigue a la famosa coreógrafa Pina Bausch y su compañía de bailarines, The Tanzteater Wuppertal, durante cinco semanas, mientras estaban de gira por Alemania, Italia y Francia. Su objetivo era capturar el arte sin par de Pina Bausch no sólo en el escenario detrás de escena
"Chantal Akerman propone un viaje en el mundo de Pina Bausch. En largas tomas fijas, mezcla imágenes de los actores-bailarines entre bastidores y extractos de cinco espectáculos:
Komm tanz mit mir, 1977; en el Teatro Wuppertal en junio de 1983
Kontactohf, 1978; en la Scala de Milán en junio de 1983
Ein Stueck, 1983; en Venecia en julio de 1983
Walzer, 1982; Palacio de los Papas en Aviñón, julio de 1983
Nelken (Claveles), 1983; Palcio de los Papas en Aviñón, agosto de 1983
con ensayos, entrevistas breves de actores".
jueves, 18 de abril de 2019
A Man of No Importance
A Man of No Importance
Título original: A Man of No Importance
Año: 1994
*** 6.9
País: Irlanda, Reino Unido
Género: Drama
Dirección: Suri Krishnamma
Guión: Barry Devlin
Duración: 99 min.
Reparto: Albert Finney, Brenda Fricker, Michael Gambon, Tara Fitzgerald, Rufus Sewell, Patrick Malahide, Michael Lally, Anna Manhattan
Idioma: Inglés, subs en español
Sinopsis: Irlanda, años sesenta. Un desconocido conductor de autobús se obsesiona con la idea de montar una representación de "Salomé", la famosa obra de teatro de Oscar Wilde.
Un colectivero con sueños de poeta
El gran Albert Finney es un enamorado de las tablas, capaz de crear un escenario en sitios tan insólitos como un ómnibus de pasajeros.
Partiendo de una propuesta inicial más bien nostalgiosa por lugar y época, Un hombre sin importancia deriva en sesudas reflexiones sobre el teatro y su circunstancia enmarcadas en la peculiar aventura humana de su protagonista. El largometraje británico, que no pasó por el cine, es editado por Gativideo.Alfie Byrne es un cincuentón conductor de ómnibus que embarca a sus pasajeros en viajes inusuales, en el marco de Dublin, Irlanda, hacia los sesenta. Dotado de los sueños de un poeta, este chofer luce un clavel verde en el ojal de su solapa y suele enrolar a sus clientes en verdaderas puestas en escena, preferentemente de su dramaturgo predilecto, Oscar Wilde, de quien supo montar La importancia de llamarse Ernesto. Su obsesión más reciente es aquélla que otrora generara escándalos: Salomé, un deseo que se aviva cuando la imagen rediviva de la Tentadora sube a su vehículo. Alfie no sólo quiere reclutarla como la Salomé ideal sino que, para este solitario que jamás se casó, la pasión va más allá de lo artístico. Pero las cosas no serán fáciles ya que Adele Rice -la chica en cuestión- es una campesina recién llegada a Dublin, a quien espera un noviecito en su pueblo natal.El Dublin que muestra el filme es casi un villorrio donde todo el mundo mete la nariz en los asuntos ajenos y la iglesia es el centro de la vida social. Obviamente, es en la iglesia donde Alfie querría escenificar su proyecto y para ello encuentra un extraño aliado en el propio párroco, aunque éste tiene de Juan Bautista la imagen propia de su oficio, antes que la visión que supo crear Wilde. De yapa, parientes y conocidos no ayudan a Alfie a salir adelante con tranquilidad, ya que su hermana Lily piensa que su inmersión en la cultura es insalubre y el carnicero vecino, Ivor, quien muy adecuadamente hará el papel de Herodes, entiende que la pieza de Oscar Wilde se nutre de palabras atroces. Dirigida por Suri Krishnamma sobre guión de Barry Devlin y con fotografía de Ashley Rowe y música de Julian Nott, Un hombre sin importancia aprovechó la presencia de un elenco de primerísimas figuras. Como Alfie Byrne está Albert Finney (1936), inolvidable intérprete de Bajo el volcán, Annie, Tom Jones, El vestidor y De paseo a la muerte. Lily estuvo a cargo de la ganadora del Oscar Brenda Fricker (Mi pie izquierdo, Mi pobre angelito 2, Esta tierra es mía) e Ivor recayó en Michael Gambon (El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante). En otros papeles aparecen Tara Fitzgerald, como la tentadora Adele y Rufus Sewell, un chofer joven y apuesto, amigo del protagonista
miércoles, 17 de abril de 2019
Cafarnaúm
Cafarnaúm
Título original: Capharnaümaka
**** 8.4
Año: 2018
Duración: 126 min.
País: Líbano
Dirección: Nadine Labaki
Guion: Nadine Labaki (Historia: Labaki Jihad Hojeily)
Música: Khaled Mouzanar
Fotografía: Christopher Aoun
Reparto: Zain Al Rafeea, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad, Fadi Kamel Youssef, Cedra Izam, Alaa Chouchnieh, Nour el Husseini, Elias Khoury, Nadine Labaki
Género: Drama | Pobreza. Infancia
Sinopsis: Ante un tribunal, Zain, un niño de 12 años, declara ante el juez. -¿Por qué has demandado a tus propios padres? -Por darme la vida.
Premios
2018: Premios Oscar: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2018: Festival de Cannes: Premio del Jurado, Sección oficial a concurso
2018: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2018: Premios BAFTA: Nominada a Mejor película en habla no inglesa
2018: Critics Choice Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2018: Asociación de Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película extranjera
2018: British Independent Film Awards: Nominada a Mejor película internacional
2018: Premios César: Nominada a Mejor película extranjera
sábado, 13 de abril de 2019
Attila Marcel
Título original: Attila Marcel
*** 7.00
Año: 2013
Duración: 106 min.
País: Francia
Dirección: Sylvain Chomet
Guion: Sylvain Chomet
Música: Sylvain Chomet, Franck Monbaylet
Fotografía: Antoine Roch
Reparto: Guillaume Gouix, Anne Le Ny, Bernadette Lafont, Hélène Vincent
Género: Comedia
Sinopsis: Paul fue testigo de la muerte de sus padres cuando apenas tenía dos años. El impacto fue tal que perdió la memoria y quedó mudo. Criado por sus tías, dos viejas aristócratas que sueñan con verlo convertido en un virtuoso pianista, su vida se divide entre el piano y las clases de baile de sus tías. A punto de cumplir 33 años, Paul se siente viejo a pesar de no haber vivido realmente. Un día conoce a la señora Proust, quien trastocará su mundo por completo. La señora Proust posee la receta de un té de hierbas que, con ayuda de la música, puede recuperar los recuerdos más remotos de quien lo toma. Así, Paul viajará hacia lo más profundo de su memoria para revivir su infancia y descubrir, por fin, qué ocurrió realmente a sus padres.
Un domingo en Nueva York
Un domingo en Nueva York
Título original: Sunday in New York
*** 6.8
Año: 1963
País: Estados Unidos
Género: Comedia. Romance
Dirección: Peter Tewksbury
Guión: Norman Krasna (Obra: Norman Krasna)
Duración: 104 min.
Reparto: Rod Taylor, Jane Fonda, Cliff Robertson, Robert Culp, Jo Morrow, Jim Backus
Idioma: Inglés con subs en español
Sinopsis: Eileen tiene 22 años y está prometida con Russ. Piensa que, a su edad, es la única chica virgen del planeta, y le confía sus preocupaciones a su hermano Adam, al que va a visitar a Nueva York. En la Gran Manzana Adam, pese a que es un Don Juan, intenta ocultárselo a su hermana, para mantenerla apartada de las tentaciones...
lunes, 8 de abril de 2019
Fraude
Fraude
Título original: F. for Fake (Vérités et mensonges)
***7.8
Año: 1973
Duración: 85 min.
País: Francia Francia
Dirección: Orson Welles
Guion: Orson Welles, Oja Kodar
Música: Michel Legrand
Fotografía: Orson Welles
Reparto: Documentary, Orson Welles, Oja Kodar, Joseph Cotten, Jean-Pierre Aumont, Laurence Harvey
Género: Documental | Pintura
Sinopsis: Documental sobre el fraude y las falsificaciones que se centra en la figura del falsificador Elmyr de Hory y su biógrafo, Clifford Irving, autor también de la fraudulenta biografía de Howard Hughes. Asimismo relata la reclusión de Hughes y la carrera de Welles, que comenzó con la emisión radiofónica de una falsa invasión marciana: "The War of the Worlds"
jueves, 4 de abril de 2019
El Diluvio
El Diluvio
Título original: Deluge
* 6.3
Año: 1933
País: Estados Unidos
Género: Drama, Ciencia ficción
Dirección: Felix E. Feist
Guión: Warren Duff, John F. Goodrich (Novela: S. Fowler Wright)
Duración: 70 min.
Reparto: Peggy Shannon, Lois Wilson, Sidney Blackmer, Lane Chandler, John Elliott, Ronnie Cosby, Ralf Harolde, Samuel S. Hinds, Fred Kohler, Edward LeSaint, Matt Moore, Philo McCullough, Harry Semels, Edward Van Sloan, Billy N. Williams
Idioma: Inglés con subs en español
Sinopsis: Un eclipse solar provoca una ola gigante que arrasa con Nueva York y con las principales ciudades del mundo.
The Classic
The Classic
Título original: Keulraesik (The Classic)
*** 7.9
Año: 2003
Duración: 127 min.
País: Corea del Sur
Dirección: Kwak Jae-young
Guion: Kwak Jae-young
Música: Yeong-wook Jo
Fotografía: Jun-gyu Lee
Reparto: Ye-jin Son, In-seong Jo, Seung-woo Cho, Ki-woo Lee, Sang-in Lee, Ye-jin Lim, Hyeon-tae Yang
Género: Drama. Romance
Sinopsis: Ji-hae tiene problemas para expresar sus sentimientos hacia el chico que le gusta, así que su amiga en su lugar y en su nombre le escribe e-mails a él. Mientras que su historia de amor evoluciona, Ji-hae descubre a través de las cartas y diarios de su madre, que ella vivió en los 60 una historia similar, una historia que merece la pena ser recordada...
jueves, 21 de marzo de 2019
La flor del mar
La flor del mar
Título original: À Flor do Mar
** 7.4
Año: 1986
País: Portugal
Género: Drama
Dirección: João César Monteiro
Guión: João César Monteiro
Duración: 137 min.
Reparto: Laura Morante, Philip Spinelli, Manuela de Freitas, Teresa Villaverde, Georges Claisse, Sérgio Antunes, Rita Figueiredo, Conceição Senna, Haddy Moss, João César Monteiro
Idioma: Portugués con subtítulos en español
Sinopsis: Una mujer deja Portugal cuando ya no tiene nada que perder, y vuelve un año después para asentarse en una casa junto al mar, volver a reunirse con su familia y encontrarse con un acontecimiento que no esperaba... (FILMAFFINITY)
Predeterminado À Flor do Mar (João César Monteiro, 1986)
Una de las mejores películas de los años 80. Si difícil se hace tratar de comunicar con palabras qué nos gusta o emociona duraderamente de un film, mucho más complicado se antoja expresar la fascinación que nos despierta.Por qué nos refresca conexiones, despierta recuerdos, enlaza con gustos quizá no muy compartidos, activa el subconsciente.
Una buena parte de los argumentos que se nos ocurran para defenderlas por este motivo sabemos de antemano que serán poco "sólidos" y hasta contrarios a la percepción que quien escucha o lee haya podido o vaya a tener al verla. No debe ser extraño que alguien encuentre aburrido, pedante, irresuelto o fallido lo que incluso tan solo apuntado nos haya podido parecer hondo o hermoso.
Esa década de los ochenta, comparada con otras, no anda muy sobrada de obras que puedan despertar esa clase de interés, aunque seguramente sean más de las que se suelen recordar.Pero es inevitable; tan culta, compleja, misteriosa y con implicaciones y ramificaciones en el pasado y el futuro cuando fue concebida y pensada, como sencilla, lógica, calmada e inteligente al plasmarla en celuloide - de asombrosa belleza plástica-, "À flor do mar", quizá la cumbre de João César Monteiro, es para mi una de esas películas sugerentes.Sin hacerlo de menos, cuesta desembarazarse de la sombra del cine de Rivette al contemplar sus imágenes, pese a que los atajos más evidentes - buscados: alusiones de diálogos, ciertos giros de la trama... y del eje de la cámara, situaciones inequívocas como aquella en que un polícía de carretera indica a los protagonistas dónde puede encontrarse un ejemplar de "La Divina Comedia" de Dante con la exactitud y la falta de vacilación de quién habla de una gasolinera - parezcan puramente godardianos. Y cuesta dejar de pensar precisamente, por lo que suele echarse en falta tantas veces en las películas del gran cineasta francés: la certera emoción del momento sin que tenga que ser extraída, deducida, abstraída de lo visto, esa claridad meridiana.
Que Monteiro pone en el mismo plano al menos, las palabras y las imágenes - y ya desde los intertítulos de Griffith no era muy entendido y hasta tildado de hueco, engolado, innecesario, como si la literatura estuviera a otro nivel intelectual - le ha llevado a extremos tan radicales como la mejor conocida "Branca de neve", en un 95% sobre fondo negro, un salto mortal adicional sobre aquella incomprendida "Le gai savoir".
Cuando esa preponderancia verbal puja con el encuadre, la luz y el montaje por acaparar la mirada, fácilmente se puede encontrar el punto límite alcanzado por este cineasta tenido por raro y desapegado y que aquí no podría ser más cercano y rotundo.
A ello contribuye en gran medida esa gran actriz (sin arreglarse mucho, pero más hermosa que de costumbre, si eso es posible) que en España tuvimos la mala suerte de conocer en una película de cuyo nombre no quiero acordarme, que es Laura Morante, la única que se me ocurre que hoy día podría haber protagonizado en lugar de la Binoche - por edad, aunque tenga unos años más y supongo que introduciendo otro matiz, dominio de idiomas, aplomo - "Copie conforme" y que por esos años ya iluminó con su presencia otros films al menos notables como "Bianca" de Moretti, "La tragedia di un uomo ridiculo" de Bertolucci, "La vallée fantome" de Tanner o "Le due vitte de Mattia Pascal" de Monicelli.
Esta moderna película de piratas (sin ensoñaciones o elucubraciones como en la igualmente estupenda "L´île au trésor" de Raoul Ruiz, de ese mismo año 1986), es también, a la contra de lo que el género ofrecía, un melodrama adulto. A poco que el punto de vista se trasladara al de los niños - una de las muchas probabilidades intrínsecas de la trama y quizá la que más deja volar la imaginación - estaríamos ante un ejemplar muy tardío, reconvertido, de aquellas historias que se desarrollaban en costas atestadas de contrabandistas en vías de rehabilitación o aferrados a una oportunidad por encontrar la paz que andaban buscando, siempre al límite de su suerte.
Pero la incapacidad de amar y el recuerdo pesan demasiado.
Cualquier conversación, cualquier encuentro ya sea en interiores o en un bonito pantalán bañado de una luz azulada, cualquier comida, cualquier cuento inventado o recoveco del camino que conduce de la playa a la casa donde Laura se debate en dejar pasar o no una última oportunidad para deshacerse del recuerdo de su marido fallecido, sirve a Monteiro sobre todo y más allá de toda influencia externa, para dar una lección de puesta en escena precisa y aérea, vibrantemente estática, apenas acariciando los resortes del drama para obtener esos estallidos de color y sentimiento, no tan exagerado calificativo para esta "À flor do mar".
Título original: À Flor do Mar
** 7.4
Año: 1986
País: Portugal
Género: Drama
Dirección: João César Monteiro
Guión: João César Monteiro
Duración: 137 min.
Reparto: Laura Morante, Philip Spinelli, Manuela de Freitas, Teresa Villaverde, Georges Claisse, Sérgio Antunes, Rita Figueiredo, Conceição Senna, Haddy Moss, João César Monteiro
Idioma: Portugués con subtítulos en español
Sinopsis: Una mujer deja Portugal cuando ya no tiene nada que perder, y vuelve un año después para asentarse en una casa junto al mar, volver a reunirse con su familia y encontrarse con un acontecimiento que no esperaba... (FILMAFFINITY)
Predeterminado À Flor do Mar (João César Monteiro, 1986)
Una de las mejores películas de los años 80. Si difícil se hace tratar de comunicar con palabras qué nos gusta o emociona duraderamente de un film, mucho más complicado se antoja expresar la fascinación que nos despierta.Por qué nos refresca conexiones, despierta recuerdos, enlaza con gustos quizá no muy compartidos, activa el subconsciente.
Una buena parte de los argumentos que se nos ocurran para defenderlas por este motivo sabemos de antemano que serán poco "sólidos" y hasta contrarios a la percepción que quien escucha o lee haya podido o vaya a tener al verla. No debe ser extraño que alguien encuentre aburrido, pedante, irresuelto o fallido lo que incluso tan solo apuntado nos haya podido parecer hondo o hermoso.
Esa década de los ochenta, comparada con otras, no anda muy sobrada de obras que puedan despertar esa clase de interés, aunque seguramente sean más de las que se suelen recordar.Pero es inevitable; tan culta, compleja, misteriosa y con implicaciones y ramificaciones en el pasado y el futuro cuando fue concebida y pensada, como sencilla, lógica, calmada e inteligente al plasmarla en celuloide - de asombrosa belleza plástica-, "À flor do mar", quizá la cumbre de João César Monteiro, es para mi una de esas películas sugerentes.Sin hacerlo de menos, cuesta desembarazarse de la sombra del cine de Rivette al contemplar sus imágenes, pese a que los atajos más evidentes - buscados: alusiones de diálogos, ciertos giros de la trama... y del eje de la cámara, situaciones inequívocas como aquella en que un polícía de carretera indica a los protagonistas dónde puede encontrarse un ejemplar de "La Divina Comedia" de Dante con la exactitud y la falta de vacilación de quién habla de una gasolinera - parezcan puramente godardianos. Y cuesta dejar de pensar precisamente, por lo que suele echarse en falta tantas veces en las películas del gran cineasta francés: la certera emoción del momento sin que tenga que ser extraída, deducida, abstraída de lo visto, esa claridad meridiana.
Que Monteiro pone en el mismo plano al menos, las palabras y las imágenes - y ya desde los intertítulos de Griffith no era muy entendido y hasta tildado de hueco, engolado, innecesario, como si la literatura estuviera a otro nivel intelectual - le ha llevado a extremos tan radicales como la mejor conocida "Branca de neve", en un 95% sobre fondo negro, un salto mortal adicional sobre aquella incomprendida "Le gai savoir".
Cuando esa preponderancia verbal puja con el encuadre, la luz y el montaje por acaparar la mirada, fácilmente se puede encontrar el punto límite alcanzado por este cineasta tenido por raro y desapegado y que aquí no podría ser más cercano y rotundo.
A ello contribuye en gran medida esa gran actriz (sin arreglarse mucho, pero más hermosa que de costumbre, si eso es posible) que en España tuvimos la mala suerte de conocer en una película de cuyo nombre no quiero acordarme, que es Laura Morante, la única que se me ocurre que hoy día podría haber protagonizado en lugar de la Binoche - por edad, aunque tenga unos años más y supongo que introduciendo otro matiz, dominio de idiomas, aplomo - "Copie conforme" y que por esos años ya iluminó con su presencia otros films al menos notables como "Bianca" de Moretti, "La tragedia di un uomo ridiculo" de Bertolucci, "La vallée fantome" de Tanner o "Le due vitte de Mattia Pascal" de Monicelli.
Esta moderna película de piratas (sin ensoñaciones o elucubraciones como en la igualmente estupenda "L´île au trésor" de Raoul Ruiz, de ese mismo año 1986), es también, a la contra de lo que el género ofrecía, un melodrama adulto. A poco que el punto de vista se trasladara al de los niños - una de las muchas probabilidades intrínsecas de la trama y quizá la que más deja volar la imaginación - estaríamos ante un ejemplar muy tardío, reconvertido, de aquellas historias que se desarrollaban en costas atestadas de contrabandistas en vías de rehabilitación o aferrados a una oportunidad por encontrar la paz que andaban buscando, siempre al límite de su suerte.
Pero la incapacidad de amar y el recuerdo pesan demasiado.
Cualquier conversación, cualquier encuentro ya sea en interiores o en un bonito pantalán bañado de una luz azulada, cualquier comida, cualquier cuento inventado o recoveco del camino que conduce de la playa a la casa donde Laura se debate en dejar pasar o no una última oportunidad para deshacerse del recuerdo de su marido fallecido, sirve a Monteiro sobre todo y más allá de toda influencia externa, para dar una lección de puesta en escena precisa y aérea, vibrantemente estática, apenas acariciando los resortes del drama para obtener esos estallidos de color y sentimiento, no tan exagerado calificativo para esta "À flor do mar".
Fuego en la llanura
Fuego en la llanura
Título original: Nobi [野火] (The Criterion Collection)
*** 8.00
Año: 1959
País: Japón
Género: Drama, Bélico
Dirección: Kon Ichikawa
Guión: Natto Wada (Novela: Shohei Ooka)
Duración: 105 min
Reparto: Eiji Funakoshi, Osamu Takizawa, Mickey Curtis, Mantarô Ushio, Kyu Sazanaka, Yoshihiro Hamaguchi
Idioma: Japonés con subs en español
Sinopsis: Duro relato antibélico que narra la desesperada situación, abocada a la derrota, que está sufriendo el ejército japonés en Filipinas, en 1945, durante la Segunda Guerra Mundial.
Insect
Insect
Título original: Hmyz
* 6.6
Año: 2018
País: Republica Checa, Eslovaquia
Género: drama, Animacion,
Dirección: Jan Švankmajer
Guión: Jan Švankmajer (Novela: Karel Capek. Obra: Karel Capek, Josef Capek)
Duración: 98 min
Reparto: Animation, Jirí Lábus, Jan Budar, Jaromír Dulava, Norbert Lichý, Kamila Magálová, Ivana Uhlírová
Idioma: Checo subs español
Sinopsis: Adaptación de la novela de Karel Capek "The Insect Play", cuyo argumento está relacionado con la "Metamorfosis" de Kafka. 'Insect' es una metahistoria que explora la línea que separa a los insectos y los humanos.
Varias historias se entrelazan en la película que marca el retorno de Jan Švankmajer al cine luego de un hiato de ocho años. Su nueva película, Insect, fue proyectada en el Festival Internacional de Cine de Róterdam en la sección Deep Focus – Signatures y es un híbrido que trabaja en varios niveles: una compañía de teatro prepara una obra con dos finales – uno optimista y otro pesimista, el making of de la película y el making of del making of.
A través del uso de la sátira de los hermanos Čapek como trampolín, el director checo desarrolla una reflexión compleja sobre el cine moderno, a pesar de manifestar que la película no tiene ningún propósito moral y que la composición es muy simple: tomas cortas, personajes sin profundidad psicológica y pequeños cambios de plano animados. El director revela de manera obvia los trucos en juego, ¿cómo se aborda la descripción de un comentario sobre la sátira sin que la película en si misma sea satírica? Y si se priva a los personajes de cualquier profundidad psicológica desde un principio (como manifestó el mismo director), ¿para qué analizar la psicología de los actores como si se interpretaran sus sueños? Cada actor de la película cumple tres papeles y también es un insecto. Ninguno está exento de la metamorfosis continua que presenciamos, mientras que el surrealismo de la película tiene a su vez una función paliativa, ridiculizar el poder sólo sirve para aliviar su peso aplastante.
Es en esta asunción que la película de Svankmajer está basada, en apegarse a la tradición de la sátira política checa que comenzó con Kafka, los hermanos Čapek, el escritor Jaroslav Hašek y el director Jan Němec, a quien el festival de Róterdam le dedicó una retrospectiva el año pasado y quien fue uno de los principales exponentes de la nueva ola del cine checo durante tanto tiempo junto al mismísimo Jan Svankmajer. De hecho, no es una coincidencia que Insect tenga ciertos rasgos que nos recuerden a The Wolf from Royal Vineyard Street [+], la película más reciente de Němec, grabada hace tan sólo dos años.
Los insectos antropomórficos filmados y diseñados por Svankmajer representan claramente al burgués insignificante, egoísta y mezquino que invoca al horror a simple vista: no hay posibilidad de redención.
La sección making of no es menos interesante, que junto a algunas referencias de los maestros del surrealismo (el café que se convierte en hormigas es un pequeño tributo a Un perro andaluz de Buñuel), se convierte en un capítulo instructivo en el cine de acuerdo con Svankmajer. Vemos al director mientras dirige al equipo o debate sobre la importancia de un corte y presenciamos cómo algunas de las escenas y los efectos animados cobran vida.
A lo largo de su duración, la película mantiene el tono didáctico y extraordinario establecido al principio, con grandes disfraces y un crescendo de creatividad que termina con un “te lo dije” que solo algunos artistas (y artesanos) como Jan Svankmajer pueden lograr, contrariamente a la mayoría de los directores que vemos hoy en día.
sábado, 16 de marzo de 2019
Harold y Maude / Enséñame a vivir
Harold y Maude / Enséñame a vivir
Título original: Harold and Maude (The Criterion Collection)
*** 8.00
Año: 1971
País: Estados Unidos
Género: Comedia negra, Drama
Dirección: Hal Ashby
Guión: Colin Higgins
Duración: 92 min
Reparto: Ruth Gordon, Bud Cort, Vivian Pickles, Cyril Cusack, Charles Tyner, Ellen Geer, Tom Skerritt
Idioma: Inglés con subs en inglés y español
Sinopsis: Comedia negra que relata la historia de un joven de buena familia obsesionado con la muerte, hasta el punto de que su pasatiempo favorito es probar diferentes métodos de suicidio. Obtuvo excelentes críticas. (FILMAFFINITY).
1974: Seminci: Espiga de Oro: Mejor película
lunes, 11 de marzo de 2019
Arábia
Arábia
Título original: Arábia
*** 7.4
Año: 2017
País: Brasil
Género: Drama
Dirección: João Dumans, Affonso Uchoa
Guión: João Dumans, Affonso Uchoa
Duración: 97 min
Reparto: Aristides de Sousa, Murilo Caliari, Gláucia Vandeveld, Renata Cabral, Renan Rovida
Idioma: Portugués con subtítulos en francés, inglés y español
Sinopsis: André es un chico de 18 años que vive cerca de una fábrica de aluminio en la ciudad industrial de Ouro Preto, al sureste de Brasil. Un día, después de un fatal accidente que ha ocurrido en la fábrica, es enviado a casa del obrero muerto, Cristiano, para recoger algunas de sus pertenencias. Allí encontrará un diario que describe los últimos años en la vida del trabajador, un hombre que pasó toda su existencia en medio de la pobreza y la opresión social. (https://www.milenio.com)
BAFICI 2017: Nominada a mejor película y Ganadora de una mención especial
FESTIVAL DE DONOSTI 2017: Nominada al Premio Horizontes
INDIELISBOA 2017: Ganadora del Gran Premio Ciudad de Lisboa y del Premio Especial del Jurado
Una de las películas más hermosas del cine independiente brasileño.
EL ESCRITOR DE LA FÁBRICA
La alienación no es una palabra entre otras; indica un malestar naturalizado con el que se sienten el mundo circundante y el propio yo. El alienado no se percibe como tal, porque la conciencia solamente puede expresarse en el mudo sufrimiento cotidiano y en el concomitante malhumor. El protagonista de Arábia descubrió, quizás por mero azar, el poder que tiene la escritura para observar todo lo que lo rodeaba y asimismo comprenderse. Que Cristiano sea un trabajador como cualquier otro le puede resultar inverosímil al prejuicioso. ¿Por qué un operario de una fábrica no podría cultivar el placer de escribir?
Arábia es una película notable contra la determinación o eso que llamamos destino. Nadie tiene prefijada su posición en el mundo, más allá de que los amantes del statu quo pueden preferir el invencible orden fijo de las cosas. El patrón y el peón serán siempre los mismos; los que tienen y los que no, también. ¿Tiene que ser así? Seguir los pasos de Cristiano es conmovedor debido a que en su propia conciencia se representa lo que se espera de él y lo que él puede llegar a desear sin obedecer aquello. En su propio interior se manifiesta la propia contradicción de las dos palabras que acompañan a la bandera de Brasil: orden y progreso. Lo primero pide resignación y acatamiento; lo segundo, desobediencia y pensamiento. El film no es otra cosa que el instante previo al alumbramiento de la conciencia de clase.
La película de Affonso Ucchôa y João Dumans es sobre algo muy complicado, pero narrado con una amabilidad y una sencillez que puede despertar lágrimas hasta a un indolente reaccionario. Oriundos de Contagem, un barrio marginal de Belo Horizonte, Cristiano y un amigo decidieron robar un auto y los atraparon. Después de un año y algunos meses en la cárcel, el protagonista comenzó a viajar por Brasil mientras trabajaba en lo que podía: granjas, negocios, carreteras y fábricas. También conoció entonces el amor, y en él la distancia que puede existir entre personas de orígenes sociales inconmensurables.
Todo esto y mucho más no es otra cosa que los episodios de un diario escrito por Cristiano y leído por un joven de Ouro Preto. Los primeros 20 minutos nada parecen indicar que el film será una road movie obrera, en la que se puede intuir la precariedad social de Brasil y la universalidad de cualquier persona, no importa su condición social, que puede entrever el poder que otorga pensarse. Sin embargo, en los contrapuntos entre la cómoda cotidianidad del joven y la fábrica cercana a su casa que nunca cesa su actividad, un ida y vuelta que se propone visual y sonoramente en el inicio, Ucchôa y Dumans tienden el juego dialéctico que sostiene el hermoso film que dirigieron.
Película hermosa y precisa como pocas; los planos generales son estética y políticamente justos; las secuencias de ocio y de ternura son exactas, como las elipsis y los motivos musicales empleados. Si la fábrica se detiene, quizás el operario escuche su corazón; si el espectador acompaña, le pasará lo mismo. He aquí un film político que no grita ni evangeliza, tan solo pone en escena la sensibilidad de los que (no) eligen.
viernes, 8 de marzo de 2019
The Classic
The Classic
Título original: Keulraesik
*** 7.9
Año: 2003
País: Corea del Sur
Género: Drama, Romance
Dirección: Kwak Jae-young
Guión: Kwak Jae-young
Duración: 127 min.
Reparto: Son Ye-jin, Jo In-seong, Cho Seung-woo, Lee Ki-woo, Lee Sang-in, Lim Ye-jin, Yang Hyeon-tae
Idioma: Coreano con subs en español
Sinopsis:
Ji-hae tiene problemas para expresar sus sentimientos hacia el chico que le gusta, así que su amiga en su lugar y en su nombre le escribe e-mails a él. Mientras que su historia de amor evoluciona, Ji-hae descubre a través de las cartas y diarios de su madre, que ella vivió en los 60 una historia similar, una historia que merece la pena ser recordada...
Gracias!!
Digo esto al director Jae-Young y todo el equipo tanto técnico, como actores, carpinteros, decoradores, peluquería, catering y todo los que hayan colaborado de alguna manera a llevar a cabo esta obra maestra. Digo obra maestra por que en mi parecer reune todos los requisitos para ello.
Requisitos cuales son? pues contar una historia que me haga sentir diferentes sensaciones tales como alegría, tranquilidad, desasosiego, pena, creer que la vida puede ser como un cuento y a veces lo irreal se convierte en real; utilizar recursos fotográficos: cuales recursos técnicos? pues todos¡¡¡ si todos todos los que conozco y banda sononora? pues acompaña los momentos mas tiernos y támbien mas divertidos realzando así el contenido de la narración.
Recomendaría el largometraje a las personas soñadoras y romantícas y las que gocen con este mi querido arte favorito en su máxima expresión, viva el séptimo¡¡¡
kurosawa
jueves, 7 de marzo de 2019
Schalcken the Painter
Schalcken the Painter
Título original
Schalcken the Painter
*** 7.1
Año: 1979
Duración: 68 min.
País: Reino Unido
Dirección: Leslie Megahey
Guion: Leslie Megahey, Paul Humfress (Relato: Sherdian Le Fanu)
Fotografía: John Hooper
Reparto: Jeremy Clyde, Maurice Denham, Cheryl Kennedy, John Justin, Anne Tirard, Anthony Sharp, Val Penny, Roy Evans, Eric Francis, Charles Gray, Victor Dear, Rosemary Jenner, Amanda Carlson, Helena Clayton, Charles Stewart, Sarah Parry
Género: Drama. Pintura.
Sinopsis: Godfried Schalken es alumno del pintor Gerrit Dou. Mientras trabaja en el estudio de este último, se enamora de la sobrina de su maestro, que para su desgracia, se compromete con un misterioso millonario de rostro cadavérico que le ofrece su fortuna. Schalcken promete volver cuando triunfe como pintor y haya ganado el suficiente dinero para librar a su amada de su fatídico matrimonio... pero... quizá ya sea tarde para evitar algo más horrible de lo que había imaginado.
martes, 5 de marzo de 2019
Descubriendo a Bergman
Descubriendo a Bergman
Título original: Trespassing Bergman
** 7.3
Año: 2013
País: Suecia
Género: Documental - Documental sobre cine
Dirección: Jane Magnusson, Hynek Pallas
Guión: Jane Magnusson, Hynek Pallas
Duración: 107 min
Reparto: Documental: (con la participación de Woody Allen, Michael Haneke, Martin Scorsese, Ridley Scott, Tomas Alfredson, Francis Ford Coppola, Wes Anderson, Takeshi Kitano, Isabella Rossellini, Zhang Yimou, Ang Lee, Robert de Niro, Claire Denis, Alejandro González Iñárritu, Wes Craven, John Landis, Holly Hunter, Thomas Vinterberg, Lars von Trier, Harriet Andersson, Pernilla August, Laura Dern, Daniel Espinosa, Mona Malm, Alexander Payne)
Idioma: Doblada a español
Sinopsis: La vida y las películas clave de Ingmar Bergman a través de los ojos de actores y directores actuales. Desde la última casa de Bergman (en la isla de Fårö, en cuya sala de video guardaba el director sueco miles de películas), varios cineastas consagrados
reflexionan sobre lo principales temas presentes en la filmografía de Bergman, así como sobre la influencia que ha tenido en su vida y en su trabajo.
La vida y las películas clave de Ingmar Bergman a través de los ojos de actores y directores actuales. Desde la última casa de Bergman (en la isla de Fårö, en cuya sala de video guardaba el director sueco miles de películas), varios cineastas consagrados reflexionan sobre los principales temas presentes en la filmografía de Bergman, así como sobre la influencia que ha tenido en la vida y trabajo de ellos. Entre los entrevistados están Woody Allen, Michael Haneke, Martin Scorsese, Ridley Scott, Tomas Alfredson, Francis Ford Coppola, Wes Anderson, Takeshi Kitano, Isabella Rossellini, Zhang Yimou, Ang Lee, Robert de Niro, Claire Denis, Olivier Assayas, Alejandro González Iñárritu, Wes Craven, John Landis, Holly Hunter, Thomas Vinterberg y Lars von Trier.
“Decía [...] Terence Davies que Bergman toca 'lo más universal de la alegría y el dolor'. Y todo por la contundencia transparente del miedo; un miedo que le recluyó la mitad de la vida en una isla; un miedo que produjo una obra irrenunciable: la propia vida de Bergman. 'El miedo es el motor de la cultura', sostiene Haneke.” (Luis Martínez)
(Reproducido de --> http://www.ulima.edu.pe/)
-----
Por los años 1960, Ingmar Bergman se trasladó a la pequeña isla de Fårö, en el mar Báltico, rodeando con un velo de mucho misterio su nuevo hogar donde, entre otras cosas, rodó ‘Persona’ en 1966. Pocas personas conocían la ubicación exacta del lugar, pero, tras la muerte de Bergman, la isla llegó a ser conocida para el público. En 'Trespassing Bergman’ contactamos con Michael Haneke, Claire Denis, Martin Scorsese y otros grandes directores para visitar la isla -la Meca de la historia del cine, como el cineasta mexicano Iñárritu la llama bastante acertadamente. Se revisa amorosa y críticamente todo el patrimonio cinematográfico de Bergman. ¿Son las películas, vistas con los ojos de hoy, un mero producto de su tiempo o todavía tienen el mismo valor artístico y humano? No son unos cualquiera quienes comparten su opinión con nosotros: Ang Lee, Isabella Rossellini, Harriet Andersson, Zhang Yimou, Francis Ford Coppola, Takeshi Kitano, Wes Anderson, Robert de Niro, Martin Scorsese y Ridley Scott, son sólo algunas de las personas a las que contactamos; y ha valido la pena todo el viaje a Faro para escuchar a Woody Allen explicar cómo Bergman, ya de avanzada edad, tenía que relajarse con películas del montón antes de poder dormir. O para escuchar a Lars von Trier explicar su complicada y frustrante relación con un hombre al que amaba, pero del que nunca recibió reconocimiento alguno.
Pocos documentales se han hecho sobre directores de cine, pero Trespassing Bergman puede ser uno de los más completos. Por lo menos, cuenta con el mayor número de directores que analizan la obra de un autor respetado, el maestro sueco Ingmar Bergman. Entre los entrevistados hay directores de todo el mundo, y cubren un amplio rango, desde Woody Allen y Martin Scorsese a Michael Haneke y Zhang Yimou. No todos veneran a Bergman. La mayoría de ellos sí, pero unos pocos son bastante críticos, lo que añade una picante sensación de equilibrio al retrato. Alexander Payne, por ejemplo, se atreve a decir que Det sjunde inseglet (El séptimo sello) es inaguantable. Trespassing tendrá atractivo limitado fuera de festivales de cine y televisión pública, pero es un fascinante (aunque un poco demasiado largo) documento para quienes quieren saber más acerca de la influencia de Bergman sobre los artistas que le siguieron.
Gran parte de la película fue filmada en la propia casa de Bergman en la lejana isla sueca de Fårö, donde vivió durante la última mitad de su vida. Varios directores internacionales viajaron a Fårö y visitaron las habitaciones bien conservadas o caminaron alrededor de la isla para hacerse una idea mejor de los paisajes que inspiraron las imágenes de Bergman. En una de las primeras entrevistas, el director Alejandro González Iñárritu compara visitar Faro a hacer una peregrinación a la Meca.
Los visitantes examinaron detenidamente la biblioteca de Bergman así como su vasta colección de vídeos. Se nos dice que Bergman veía tres películas al día cuando no estaba trabajando, y sus gustos iban desde productos de Hollywood a películas de arte y ensayo e incluso a películas porno soft-core, como Emmannuelle. Esto da pie al director danés Lars von Trier, con mucho, el más provocador de los entrevistados, para comentar sobre el voraz apetito sexual del autor sueco. Von Trier imagina a Bergman masturbándose por toda la casa aunque no proporciona con precisión mucha documentación que avale tal suposición.
Los comentarios de Von Trier sobre Bergman son extravagantes y, a menudo locos, pero sin duda entretenidos. Muchos de los otros directores ofrecen comentarios bastante sosos y poco reveladores, que sólo sirven para demostrar que los directores de cine no son críticos cinematográficos. Sólo unos pocos de los directores de clase mundial entrevistados aquí ofrecen una visión fresca o valiosa. Haneke alaba y elogia con sagacidad a Bergman por ser uno de los pocos directores que tuvieron la capacidad de representar la violencia [en películas como Vargtimmen (La hora del lobo) y Skammen (La vergüenza)] sin que parezca atractiva. Y Daniel Espinosa señala que la tasa de divorcio en Suecia se disparó tras la proyección de Scener ur ett äktenskap (Secretos de un matrimonio / Escenas de la vida conyugal) de Bergman.
Más interesante es oir a directores y actores que realmente conocieron personalmente a Bergman. Woody Allen no pretende dar una perspectiva crítica, sino que ofrece recuerdos afectuosos. Pernilla August, protagonista de Fanny and Alexander, señala lo listo que era Bergman para comenzar a filmar una escena desenfadada de una pelea con almohadas que ayudaba a facilitar la actuación. Isabella Rossellini cuenta una anécdota fascinante acerca de las discusiones de su madre con Bergman cuando estaban filmando Höstsonaten (Sonata de otoño). Ingrid Bergman estaba molesta con la tesis de la película de que una mujer de carrera sería inevitablemente un fracaso como madre.
Estos detalles que hemos apuntado, con demasiada frecuencia quedan subordinados a una mezcla de anécdotas menos relevantes. Es difícil entender por qué John Landis, por ejemplo, desempeña un papel tan importante en esta película. ¿Qué tipo de influencia habría tenido Bergman en el director de Animal House o The Blues Brothers(Granujas a todo ritmo / Los hermanos caradura)?
La directora y el director suecos Jane Magnusson y Hynek Pallas parecen querer abarcar tanto que a veces pierden enfoque y cualquier punto de vista coherente. Pero la película está bien hecha, y Bergman sigue siendo una figura tan imponente que rara vez se pierde interés en las entrevistas. Y hay un encuentro genuinamente conmovedor entre Bergman y Ang Lee que lleva la película a una importante e impactante conclusión.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
AMIGOS MIOS
Título original: Amici Miei Año: 1975 Duración: 109 min. País: Italia Dirección: Mario Monicelli Guion: Tullio Pinelli, Pietro Germi, Pier...
-
Corre, gitano Título original:Corre, gitano Año:1982 País:España Género:Drama - Musical Dirección: Nicolás Astarriaga, Tony...
-
La gata Título original:La gata * 5.9 Año:1956 País: España Género: Drama Dirección: Margarita Alexandre, Rafael María To...
-
Tartarin de Tarascon Título original: Tartarin de Tarascon ** 6.2 Idioma: Frances Subtítulos: Español Año: 1934 ...




















