Sketches of Frank Gehry

Sketches of Frank Gehry
Título original: Sketches of Frank Gehry
** 7.1
aÑO: 2005
País: Estados Unidos
Género: Documental - Arquitectura
Dirección: Sydney Pollack
Guión: Sydney Pollack
Duración: 83 min.
Reparto: Documental
Idioma: Inglés con subs en español
Sinopsis: Documental sobre el famoso arquitecto Frank Gehry, ganador del prestigioso premio Pritzker de arquitectura. A Frank Gehry le gusta hacer apuntes; así empieza su trabajo de arquitecto. Esa inclinación por los apuntes ha guiado a Sydney Pollack para escoger el estilo del documental. Tomando como punto de partida los apuntes originales que Gehry realizó para cada uno de sus grandes proyectos, el documental analiza el proceso que sigue el arquitecto para transformar ese primer apunte abstracto en algo tangible.

Cine y Arquitectura: "Sketches of Frank Gehry"
por Daniel Portilla / plataformaarquitectura 
Esta semana revisamos un documental enfocado en el premio Pritzker, Frank Gehry. Una serie de entrevistas nos acercan a la visión de la arquitectura y el particular enfoque de este renombrado arquitecto, creador de una serie de edificios icónicos de la última década.
A Frank Gehry le gusta hacer apuntes; así empieza su trabajo de arquitecto. Esa inclinación por los apuntes ha guiado a Sydney Pollack para escoger el estilo del documental. Tomando como punto de partida los apuntes originales que Gehry realizó para cada uno de sus grandes proyectos, el documental explora el proceso que sigue el arquitecto para transformar ese primer apunte abstracto en materia tangible, una maqueta tridimensional construida normalmente con cartón y celo, antes de convertirlo en un edificio de titanio y vidrio, de hormigón y acero, de madera y piedra.
Para captar el aspecto “esbozado” del documental, Sydney Pollack ha rodado en dos soportes, película y mini DV (vídeo digital). Gracias a este acercamiento discreto y a las numerosas horas que pasó en casa de Gehry, en su estudio de arquitectura y en los edificios, el director ha podido plasmar la esencia del singular trabajo arquitectónico y la personalidad tímida y misteriosa de Frank Gehry.
Como contrapartida al aspecto deliberadamente informal, esbozado, del rodaje en vídeo, Sydney Pollack ha puesto mucho cuidado a la hora de captar para el cine la grandeza de las obras de Frank Gehry, desde el primer edificio que diseñó, un pajar en California, hasta las construcciones que se cuentan entre las más impresionantes de la era moderna, como el Museo Guggenheim de Bilbao y la Sala de Conciertos Walt Disney de Los Ángeles.
El diálogo entre Sydney Pollack y Frank Gehry es íntimo, tal como se espera de tan larga amistad, y nos acompaña cual suite melodiosa por toda la película.
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El núcleo del documental se basa en el carácter discreto e informal de las conversaciones entre los dos hombres y con otros participantes. La película no trata de una teoría arquitectónica en vías de desaparición. Al contrario, el realizador tiene el don de desnudar la teoría arquitectónica, abriendo nuevas perspectivas sobre la vida de este arquitecto extraordinario y de su proceso creativo.

Hatred

Hatred
Título original: Wołyń
+++ 7.7
Año: 2016
País: Polonia
Género: Drama. Bélico (II Guerra Mundial)
Dirección: Wojciech Smarzowski
Guión: Wojciech Smarzowski
Duración: 130 min.
Reparto: Michalina Labacz, Arkadiusz Jakubik, Wasyl Wasylik, Adrian Zaremba, Izabela Kuna, Jacek Braciak, Maria Sobocinska, Oleksandr Zbarazkyi, Volodymyr Protsiuk, Oleksandr Chesherov, Lech Dyblik, Roman Skorovskiy, Zacharjasz Muszynski, Michal Gadomski, Gabriela Muskala, Tomasz Sapryk, Jerzy Rogalski
Idioma: Polaco-Ucraniano con subs en español
Sinopsis:  La historia comienza en 1939 en Volinia (Wołyń), una pequeña población fronteriza entre Polonia y Ucrania. Zosia (Michalina Labacz) es una chica polaca que, a pesar de estar enamorada de Petro, un chico ucraniano de su pueblo, es obligada por sus padres a casarse con un viudo rico. Pero estalla la Segunda Guerra Mundial, y pronto surgen tensiones étnicas que enfrentan a ambos bandos. En medio del caos de la guerra, Zosia intenta sobrevivir... 


El otro ejército
Añadida al estante de la filmografía imprescindible.

Película magníficamente filmada y dirigida. Y si en algo se destaca el cine polaco, es en su increíble fotografía. No falla, es su sello de fábrica. Es una historia cruda, terrible, visualmente arrolladora, hermosa y grotesca. Parece una cruza entre Lars Von Trier con Tarantino, pero quitándole la comedia. Trata sobre los males más profundos de la humanidad; dentro del contexto nacionalista y étnico; un testimonio histórico aún presente de los hechos más abominables de la humanidad y que siguen latentes; ese fantasma que resurge una y otra vez con brotes sobre brotes, y de manera casi esponánea como lo es la peste irradicable del nacionalismo. Y como dijera Voltaire:"Cuando el fanatismo ha gangrenado el cerebro, la enfermedad es casi incurable". Aunque, al decir casi, creo que fue irremediablemente optimista (O tal vez deja esa pequeña ventana de futuro evolutivo esperanzador; aunque en la actualidad apenas presegiable por ese ciclo que parece infinito e irredimible).

En 1939, entre la frontera de Polonia y Ucrania, se desarrollan conflictos nacionalistas y de étnia; fascistas y comunistas (qué mejor representado que en las fronteras rurales, como una radiografía profunda que pone de manifiesto el parentezco de estas dos ideologías aparentemente antagónicas). A este conflicto, se suma la avanzada Soviética, de anexión territorial y persecución judía, y el posterior dominio Nazi; donde se cambia la imagen de Stalin por Hitler, pero con el mismo resultado. Entretanto, despierta el conflicto nacionalista civil y local (la cuestión polaca-ucraniana) y entonces estalla la barbarie total; tres vertientes de una misma religión enarbolando pasiones que detonan la autoaniquilación total: la peor imagen del infierno imaginable, del odio humano desatado con todo el Gore posible, donde incluso, puede llegar a parecer algo exagerado o historiográficamente sesgado y mal intencionado, pero en realidad no lo es y eso es lo más impactante del film.

El mejor film independiente sobre el holocausto. Acá los protagonistas no son los ejércitos regulares o las batallas dirigidas, donde su presencia sólo la decoran. La protagoniza otro tipo de ejército; uno de odio étnico y de alma envenenada, capáz de crear un monstruo mucho más inhumano que cualquier bomba atómica.

La película fue prohibida en Ucrania (esto quiere decir, por consigiente y con total seguridad, que toda Ucrania la está viendo).

Le daría un 8 de 10, por no parecer exagerado. Reconociendo además, que la subjetividad me impulsaría a un 9 por mi admiración hacia Polonia y sus poetas. Y a sus mujeres, que tienen un cierto misterio en la mirada que detona impajaritablemente, una pasión incontrolable. Pero la violencia no, no la justifico.

Mentiras / Lies

Mentiras / Lies
Título original: Gojitmal
Año: 1999
País: Corea del sur
Género: Drama
Dirección: Jang Sun-woo
Guión: Jang Sun-woo (Novela: Jang Jung Il)
Duración: 115 min.
Reparto: Lee Sang Hyun, Kim Tae Yeon, Jeon Hye Jin, Choi Hyun Joo, Han Kwon Taek
Idioma: Coreano con subs en español
Sinopsis: Publicitada tan escandalosa como "El imperio de los sentidos", una historia con contenido sexual explícito que narra las relaciones íntimas entre un escultor y una estudiante. Para escándalo del Vaticano, participó en la selección oficial del Festival de Venecia. Prohibida por la censura coreana por considerarla una intolerable provocación pornográfica


Premios y Nominaciones 
1999 Venice Film Festival Golden Lion, Sun-Woo Jang: Nominee
2001 Uruguay International Film Festival Special Jury Award: Winner

Entre nosotros

Entre nosotros
Título original: Entre Nós
** 7.00
Año: 2013
País: Brasil
Género: Drama
Dirección: Paulo Morelli
Guión: Paulo Morelli, Pedro Morelli
Duración: 101 min
Reparto: Caio Blat, Carolina Dieckmann, Maria Ribeiro, Paulho Vilhena, Martha Nowill, Julio Andrade, Lee Taylor
Idioma: Portugues con sub en español, portugues e ingles
Sinopsis: Aislados del resto del mundo en una magnífica casa en el campo, un grupo de jóvenes amigos deciden escribir unas cartas dirigidas a ellos mismos y enterrarlas con la promesa de releerlas diez años después. Ese mismo día, sin embargo, debido a un trágico accidente, cada uno coge caminos separados y se pierden de vista. Diez años después, un nuevo encuentro traerá a la luz viejas pasiones, nuevas frustraciones y un oscuro secreto sepultado en el pasado.


Según pasen los años...

Esta película brasileña parte de una base argumental bastante repetida, y no exenta siempre de algo de interés: las ilusiones, los proyectos, los sentimientos afectados por el paso del tiempo. Un presente, pasado, con jóvenes venteañeros, y un futuro, presente, con los mismos jóvenes pero en la treintena, contejando el qué y cómo fue su vida, la percepción de su vida -en sentido estricto-, en el lapso de esos 10 años, aproximadamente.
Retrato coral, donde un grupo de correctos actores se dan la réplica, ninguno destaca sobre los demás: la corrección señalada lo cubre todo. Y la sensación que deja en el espectador es amarga; lo que no deja también de ser un lugar común narrativo. El incumplimiento o, peor, el cumplimiento de lo esperado. La añoranza de lo que fue, pudo haber sido o, en realidad, no fue.
Se ve bien, sobre todo si se la maneja en el contexto de un cine del que conocemos muy poco. Recomendable para espectadores curiosos y no prejuicioso.

Uno, dos, tres

Uno, dos, tres
Título original: One, Two, Three
*** 7.9
Año: 1961
País: Estados Unidos
Género: Comedia
Dirección: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder & I.A.L. Diamond (Teatro: Ferenc Molnár)
Duración: 104 min
Reparto: James Cagney, Pamela Tiffin, Horst Buchholz, Arlene Francis, Lilo, Pulver, Howard St. John, Hanns Lothar, Leon Askin, Ralf Walter, Karl Lieffen, Hubert von Meyernick
Idioma: Inglés y español con subtítulos en español
Sinopsis: C.R. MacNamara, representante de una multinacional de refrescos en Berlín Occidental, acaricia desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la URSS. Sin embargo, el señor Hazeltine le encarga cuidar de su hija Scarlett, que llega a Berlín esa misma tarde. Se trata de una alocada joven que, a los dieciocho años, ya ha estado prometida en cuatro ocasiones. Scarlett, eludiendo la vigilancia de MacNamara, se enamora de Otto Piffl, un joven comunista. 

A quemarropa

A quemarropa
Título original: Point Blank
** 7.4
Año: 1967
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Dirección: John Boorman
Guion: Alexander Jacobs, David Newhouse, Rafe Newhouse (Novela: Donald E. Westlake)
Música: Johnny Mandel
Fotografía: Philip Lathrop
Reparto: Lee Marvin,  Angie Dickinson,  Keenan Wynn,  John Vernon,  Carroll O'Connor, Lloyd Bochner,  Michael Strong,  Sharon Acker,  James Sikking,  Sid Haig
Género: Thriller
Sinopsis: Después de haber dado un golpe muy lucrativo, un hombre es traicionado por su esposa y por su mejor amigo. Ambos lo abandonan, dándolo por muerto, en una celda de la abandonada prisión de Alcatraz. Años después, intentará vengarse y recobrar su parte del botín.

O Homem do Pau-Brasil

O Homem do Pau-Brasil
Título original: O Homem do Pau-Brasil
* 6.8
Año: 1982
País: Brasil
Género: Comedia
Dirección: Joaquim Pedro de Andrade
Guión: Oswald de Andrade (varios escritos suyos), Alexandre Eulálio, Joaquim Pedro de Andrade
Duración: 101 minutos
Reparto: Juliana Carneiro da Cunha, Ítala Nandi, Flávio Galvão, Regina Duarte, Cristina Aché, Lucélia Maquiavelli, Paulo Hesse, Guará Rodrigues, Carlos Gregório, Maria do Carmo Sodré
Idioma: Portugués con subts. en castellano
Sinopsis: Biografía loca de Oswald de Andrade, uno de los íconos más importantes del Modernismo en Brasil. Polémico, mujeriego, creativo y estudioso, el escritor viaja por el mundo acumulando ideas, confusiones y amores.

Gerra conyugal

Gerra conyugal
* 6.8
Título original: Guerra Conjugal
Año: 1976
País: Brazil
Género: Comedia
Dirección: Joaquim Pedro de Andrade
Guión: Joaquim Pedro de Andrade, Dalton Trevisan (story)
Duración: 86 min.
Reparto: Cristina Aché, Wilza Carla, Maria Lúcia Dahl, Lima Duarte, Elza Gomes, Carlos Gregório, Carlos Kroeber, Oswaldo Louzada, Lutero Luiz, Dirce Migliaccio, Virgínia Moreira, Ítala Nandi, Analú Prestes, Carmem Silva, Joffre Soares
Idioma: Portugués con subtítulos en español
Sinopsis: 
Varias historias se desenvuelven en paralelo. El abogado Osíris, que seduce mujeres en su oficina., se convierte en amante de Olga, una señora que simula pudores para sentirse más deseable; un amigo de Osíris, bien posicionado en la sociedad, siente deseos homosexuales; una pareja pobre vive en creciente conflicto; y el tímido Nelsinho solo se siente apto para una vida conyugal plena después de tener relaciones con una prostituta. 


Brazilia Festival of Brazilian Cinema 1975 

Won
Candango Trophy

Best Film (Melhor Filme)
Joaquim Pedro de Andrade 
Best Director (Melhor Diretor)
Joaquim Pedro de Andrade 
Best Actress (Melhor Atriz)
Elza Gomes 
For Nem Os Bruxos Escapam 
Best Editing (Melhor Montagem)
Eduardo Escorel 


São Paulo Association of Art Critics Awards 1976

Won APCA Trophy 

Best Actor (Melhor Ator)
Carlos Gregório 

Viuda y sabia

Viuda y sabia
Título original: The Wistful Widow of Wagon Gap
** 7.4
Año: 1947
País: Estados Unidos
Género: Comedia. Western.
Dirección: Charles Barton
Guión: Robert Lees, Frederic I. Rinaldo, John Grant (Historia: D.D. Beauchamp, William Bowers)
Duración: 77 min.
Reparto: Bud Abbott, Lou Costello, Marjorie Main, Audrey Young, George Cleveland, Gordon Jones, William Ching, Peter M. Thompson, Bill Clauson, Billy O'Leary, Pamela Wells, Jimmy Bates, Paul Dunn, Diane Florentine, Rex Lease, Glenn Strange, Edmund Cobb, Wade Crosby, Dewey Robinson, Murray Leonard
Idioma: Inglés con subs en español 
Sinopsis: Chester Wooley y Duke Egan son unos vendedores ambulantes que realizan una escala en Wagon Gap, Montana, mientras se dirigen a California. Durante la escala, un criminal famoso, Fred Hawkins, es asesinado, y los dos son acusados ​​del crimen. Rápidamente son juzgados, condenados y sentenciados a morir en la horca. El jefe del comité de ciudadanos locales, Jim Simpson, recuerda una ley por la cual el vencedor en un duelo debe asumir la responsabilidad de las deudas y la familia del difunto. La ley impide la ejecución de los dos, pero ahora Chester es responsable de la viuda Hawkins y sus siete hijos... 

Blanka

Blanka
Título original: Blanka
** 7.1
Año: 2015
País: Filipinas, Italia, Japón
Género: Drama
Dirección: Kohki Hasei
Guión: Kohki Hasei
Duración: 75 min.
Reparto: Cydel Gabutero, Peter Millari, Jomar Bisuyo, Raymond Camacho, Ruby Ruiz
Datos del archivo:
Idioma: Tagalog con subs en español
Sinopsis: Blanka sigue la vida de una pequeña niña (Cydel Gabutero), quien pide limosnas y le roba a los turistas para sobrevivir en la ciudad de Manila, hasta que un día se le ocurre la absurda idea de “comprarse” una madre para arreglar su vida. 

VENECIA 2015 Biennale College Cinema
Blanka: “¿Por qué los pollos no vuelan si tienen alas?”
por Madison Moore / cineuropa.org 
La nueva película de Kohki Hasei, una coproducción entre Italia y Japón proyectada en la sección Biennale College, explora los bajos fondos de Manila
Blanka, de 11 años, vaga entre la oscuridad y la luz a lo largo de su viaje como huérfana de Manila. En la nueva película del director Kohki Hasei, Blanka (desarrollada y producida en el Biennale College Cinema y una de las tres películas proyectadas en esta sección paralela de la Mostra de Venecia) se enfrenta a los desafíos de la vida en la calle y del crecimiento conservando su impresionante autoestima. Hasei sigue la historia basada en su entorno precario, con personajes que a menudo se ven obligados a elegir entre el menor de dos males para sobrevivir. Aun así, la ternura y el humor siguen aflorando, recordándonos el principal deseo del ser humano: pertenecer y ser amados.
Después de que un grupo de envidiosos chicos de la calle destruya su casa, Blanka (Cydel Gabutero) habla con Peter (Peter Millari), un guitarrista ciego de edad avanzada, sobre trasladarse a otra parte para actuar. Emprenden este nuevo camino y, a pesar de que se aprovechan de ellos, la pareja recibe atención y elogios que dan lugar a nuevas y emocionantes oportunidades. Mientras tanto, la niña cuelga letreros por la ciudad en los que se ofrece a pagar 30.000 pesos para comprar una madre, después de haber visto en televisión a una famosa actriz debatiendo la adopción de huérfanos de la calle. Blanka ahorra (y roba) para la compra sin decírselo a Peter, que cuida de ella como si fuese su propia hija hasta que son separados. En su periplo para reunirse, unos amigos inesperados los ayudan a hacer frente a enemigos por el camino.
Aunque clásica en estructura y estilo, la película ofrece refrescantes sorpresas a medida que avanza. Se adentra en coloridos rincones y recovecos recurriendo a numerosas yuxtaposiciones y detalles sensoriales de Manila. La ciudad cambia del día a la noche, presentando nuevos personajes, obstáculos y oportunidades a los que Blanka se enfrenta constantemente. La película pone tanto énfasis en su difícil batalla que en ocasiones parece que roza el exceso. Sin embargo, los momentos en los que se comporta como cualquier otro niño (traviesa, creativa y boba) la hacen comprometida y real. Otros momentos carecen de impulso y se desvían del arco emocional de la historia; no obstante, en cierto sentido, eso refleja con más realismo la vida de los personajes.
Blanka, coproducida por la compañía italiana Dorje Film junto con Japón, es conmovedora y refrescante en su retrato de estos personajes. Permite pacientemente que emanen profundidad emocional sin llegar a ser demasiado sentimental. En cambio, son complejos, conservando sus defectos y vicios al mismo tiempo que demuestran virtudes admirables y comprensión hacia los demás y su entorno. En definitiva, su mutua aceptación confiere a la película su relevancia, elevándola de una presentación de la difícil situación de los personajes a una lección sobre lealtad y perseverancia.


Premios y Nominaciones 
2015 Venice Film Festival Best Film in a Foreign Language: Winner
2016 Fribourg International Film Festival: Winner
2015 Kolkata International Film Festival: Winner

Más allá del olvido

Más allá del olvido
Título original: Más allá del olvido
*** 7.1
Año: 1956
Duración: 93 min.
País: Argentina
Dirección: Hugo del Carril
Guion: Eduardo Borrás
Música: Tito Ribero
Fotografía: Alberto Etchebehere (B&W)
Reparto: Laura Hidalgo,  Hugo del Carril,  Pedro Laxalt,  Eduardo Rudy,  Gloria Ferrandiz, Francisco López Silva,  Ricardo Galache,  Ricardo de Rosas
Género: Drama
Sinopsis: Un hombre que ama profundamente a su mujer, se desgarra ante su muerte por enfermedad. Tras caer en la desesperación, emprende un viaje intentando olvidarla pero, en París, conoce a una sosias de su amada. El hombre rescata a esa mujer de los cabaret en los que se gana la vida como artista de espectáculos, explotada por un proxeneta; cree enamorarse, se casan y la lleva a vivir a su mansión. Esta pobre mujer, inculta, bruta y ordinaria debe enfrentarse a una servidumbre respetuosa pero hostil y, sobre todo, a la constante comparación que su marido establece con la otra. Tras mucho luchar, la patética criatura por fin parece conseguir el amor de su marido por ella misma. Sin embargo, la aparición del proxeneta desencadena la tragedia

Los paraísos perdidos

Los paraísos perdidos

Título original: Los paraísos perdidos

** 6.8

Año: 1985

País: España

Género: Drama

Dirección: Basilio Martín Patino

Guión: Basilio Martín Patino

Duración: 84 min

Reparto: Charo López, Alfredo Landa, Francisco Rabal, Juan Diego, Ana Torrent, Miguel Narros, Juan Cueto

Idioma: Español

Sinopsis: Una mujer vuelve al territorio de su infancia, localizado en una ciudad castellana, después de haber crecido en el vacío que siguió a la guerra civil española. A su regreso se enfrenta a la muerte de su madre, al reencuentro con los lugares y personas que compusieron su entorno antes del exilio y al posible destino del legado de su padre, ya fallecido. Al tiempo que lleva a cabo esa “recuperación” de su pasado, la protagonista traduce el “Hiperión”, de Hölderlin, y esa tarea se convierte en cauce privilegiado para sus reflexiones sobre “los paraísos perdidos”: el futuro negado, el exilio, el desarraigo, la posibilidad de mantener la esperanza.

Un libro, una ciudad, una historia

Los paraísos perdidos no es sólo la mejor película española de la rentrée, sino el más convincente testimonio de la rigurosa trayectoria artística de uno de nuestros cineastas mayores.

La película no es fácil, pero a nadie que se abandone sin ideas fijas a su flujo de hermosas imágenes le resultará difícil de seguir y disfrutar; la película es descaradamente personal, pero a nadie con un mínimo de sensibilidad histórica y curiosidad estética le podrá dejar indiferente.

Los paraísos perdidos, además, es varias películas, o una obra que permite fijar nuestro interés en registros distintos, incluso contrapuestos. 

Es, en primer lugar, el reencuentro con la ficción de un director que no hacía cine desde 1976, y cuyas tres últimas películas habían sido documentales de archivo o reportaje. 

Pero al mismo tiempo es la insinuación de un imposible regreso a la ficción narrativa tradicional: el film esta muy cargado sentimental e históricamente, pero audazmente desdramatizado, articulado formalmente sobre la base de estampas separadas, páginas de diario y anotaciones marginales, tanto paisajistas cómo anecdóticas.

Es también una película sobre un libro fascinante (el “Hiperión”, de Hölderlin, cuyas citas tan sutilmente guían y marcan los estados morales y las ensoñaciones del personaje central, que interpreta con su habitual calidad Charo López) y sobre la fascinación de una ciudad (Salamanca) y un entorno físico y monumental, el de la alta Castilla.

Es, por último, la mirada ácida de un exiliado interior (el propio Patino) al presente marco intelectual de su país. 

Es, en suma, una gran película que ennoblece el cine español en uno de los momentos más denostados de su historial reciente.

Vicente Molina Foix. CAMBIO 16. 4 de noviembre, 1985

Os Inconfidentes

Título original: Os Inconfidentes
** 7.00
Año: 1972
País: Brasil, Italia
Género: Drama, Histórico
Dirección: Joaquim Pedro de Andrade
Guión: Joaquim Pedro de Andrade, Eduardo Escorel, Cecília Meireles
Duración: 79 min
Reparto: José Wilker, Luis Linhares, Paulo César Peréio, Fernando Torres, Carlos Kroeber, Nelson Dantas
Idioma: Portugués con subs en español, inglés y francés
Sinopsis: Reconstrucción de Inconfiência Mineira, conspiración independista del siglo XVIII, en Minas Gerais, centro de las riquezas coloniales, contra el dominio colonial portugués. Del grupo formaban parte poetas y nobles, incluso el sacerdote y el coronel de la guarnición. El dentista Tirandentes es torturado para que divulgue su participación en la conspiración contra la corona portuguesa; sus cómplices ya habían confesado, negando su propia responsabilidad. Tiradentes es el único que lo asume plenamente, siendo condenado a muerte.

No me mires de esa manera v/ Don't Look at Me That Way

No me mires de esa manera v/ Don't Look at Me That Way
Título original: Schau mich nicht so an
** 6.7
Año: 2015
País: Alemania, Mongolia
Género: Drama
Dirección: Uisenma Borchu
Guión: Uisenma Borchu
Duración: 88 min.
Reparto: Uisenma Borchu, Catrina Stemmer, Josef Bierbichler, Anne-Marie Weisz, Katja Brenner, Andreas Karl, Rasmus Max Wirth
Idioma: Alemán con subs en español
Sinopsis: 
Iva, madre soltera de Sofía, una niña de 5 años, se enamora locamente de su atractiva y fascinante vecina, Heidi. Las dos mujeres comparten una bonita complicidad, dulcificada por la alegría de la pequeña al ver una desconocida tan cautivadora irrumpir en su vida cotidiana, hasta entonces poco sorprendente. Pero Heidi parece no tener límites y quererlo todo. Su pensamiento y comportamiento enigmático comienzan a desconcertar a Iva, quien querría tener la certeza de que sus sentimientos son mutuos. Las cosas se complican aún más cuando el padre de Iva aparece de repente tras años de ausencia. 

BLACK NIGHTS 2015 Competición Óperas primas
Don't Look at Me That Way: viaje al centro del torbellino
por Laurence Boyce / cineuropa.org 
La directora de origen mongol Uisenma Borchu debuta con un film que aborda la complejidad de la feminidad, la identidad y la madurez; la cinta se ha proyectado en el Black Nights
Rotundamente abstracta desde el comienzo, Don’t Look at Me That Way, de Uisenma Borchu, es un análisis disperso -aunque satisfactorio en muchos aspectos- de los roles femeninos, el poder de la sexualidad y la alienación entre culturas. La cinta, que combina un estilo naturalista con una persistente atmósfera surrealista, se estrenó mundialmente en la sección de óperas primas del 19º Black Nights Film Festival.
Hedi (interpretada por Borchu) es la nueva vecina de Iva, quien vive con su joven hija, Sophia. A Iva le está costando conciliar ser madre soltera con tener una vida personal -o algo que se le parezca-, así que Hedi es para ella un soplo de aire fresco. Las dos comienzan una relación compleja que se complica aun más cuando el padre de Iva irrumpe en la situación, despertando el deseo de Hedi. Los mundos de los personajes no tardarán en chocar.
Esta es una cinta intensamente personal, pues Borchu se ha hecho cargo de la dirección, la escritura y la interpretación del papel principal. En muchos aspectos, este es un elemento central de la película: Hedi -desgarrada entre la cultura alemana y sus propias raíces- lleva una vida acorde a sus principios, sin dejar que nadie la influencie. Esto hace de ella una especie de torbellino que sirve como fuerza dinámica de la película, pues su singular manera de entender la vida afecta a todos los que la rodean.
Esta tendencia al caos puede desequilibrar el film en algunas escenas. La cinta trata de ser a la vez -sin lograr del todo una cohesión- un drama de relaciones, un tratado sobre la sexualidad femenina y el deseo, un análisis sobre cómo la maternidad puede llevar a la subyugación e incluso un thriller hitchcockiano. Sin embargo, también es esta libérrima improvisación la que produce los momentos más interesantes, pues la película rehúsa someterse a formas narrativas convencionales y a menudo trilladas. 

Schalcken the Painter

Schalcken the Painter
Título original: Schalcken the Painter
*** 7.1
Año: 1979
País: Reino Unido
Género: Drama, Fantasía, Horror
Dirección: Leslie Megahey
Guión: Leslie Megahey, Paul Humfress, Sheridan Le Fanu (basado en su relato)
Duración: 68 min.
Reparto: Jeremy Clyde, Maurice Denham, Cheryl Kennedy, John Justin, Anne Tirard, Anthony Sharp, Val Penny, Roy Evans, Eric Francis, Charles Gray, Victor Dear, Rosemary Jenner, Amanda Carlson, Helena Clayton, Charles Stewart
Idioma: Inglés con subtítulos en español
Sinopsis: Godfried Schalken es alumno del pintor Gerrit Dou. Mientras trabaja en el estudio de este último, se enamora de la sobrina de su maestro, que para su desgracia, se compromete con un misterioso millonario de rostro cadavérico que le ofrece su fortuna. Schalcken promete volver cuando triunfe como pintor y haya ganado el suficiente dinero para librar a su amada de su fatídico matrimonio... pero... quizá ya sea tarde para evitar algo más horrible de lo que había imaginado
Basado en un corto relato de Sheridan Le Fanu, la historia sigue a un joven pintor flamenco del siglo XVII Godfried Schalcken, que abandona el amor por la ambición, pero descubre que debe pagar un terrible por su elección. Rodada con esquisitez, la película posée una atmósfera de terror que inquieta, y relata la oscura relación entre el arte, el comercio y el deseo erótico. El excelente reparto incluye a Jeremy Clyde, Maurice Denman y Cheryl Kennedy.

La estatua viviente

La estatua viviente
Título original: La statua vivente
***9.00
Año: 1943
País: Italia
Género: Drama
Dirección: Camillo Mastrocinque
Guión: Tebaldo Cicconi, Camillo Mastrocinque, Giorgio Pastina
Duración: 85 min.
Reparto: Laura Solari, Fosco Giachetti, Camillo Pilotto, Lauro Gazzolo, Renato Malavasi, Dhia Cristiani, Olga Solbelli, Amina Pirani Maggi, Guido Celano, Pina Renzi
Idioma: Italiano con subtitulos incrustados en español
Sinopsis: A esta altura todo el mundo sabe que Vértigo de Hitchcock tiene un precedente apócrifo en la novela Brujas, la muerta (1892) del belga Francois Rodenbach (llevada al cine en 1956 por Hugo del Carril con el título Más allá del olvido). Lo que se sabe menos es que Brujas, la muerta tiene también un precedente argumental en la obra Le statua di carne (1877) de Teobaldo Cicconi y que ésta fue adaptada al cine por Camillo Mastrocinque en medio de la segunda guerra mundial. Como resultado, el film La estatua viviente (que no conoce nadie) anticipa en más de una década la tortuosa historia de un hombre que pierde a la mujer amada y luego cree posible recuperarla en el cuerpo de otra que se le parece mucho. Siempre se dice que el cine del fascismo se caracterizó por sus comedias de teléfonos blancos, pero no hay nada de eso en este drama necrófilo de ambientación portuaria.

EL Capitán Mareado / All at Sea

EL Capitán Mareado / All at Sea
Título original: Barnacle Bill
** 7.00
Año: 1957
País: Reino Unido
Género: Comedia. Aventuras marinas
Dirección: Charles Frend
Guión: T.E.B. Clarke
Duración: 83 min
Reparto: Alec Guinness, Irene Browne, Maurice Denham, Percy Herbert, Victor Maddern, Allan Cuthbertson, Harold Goodwin, Richard Wattis, Lionel Jeffries, George Rose, Lloyd Lamble, Harry Locke, Mike Morgan, Max Butterfield, Donald Churchill, Donald Pleasence
Idioma: Inglés con subs en inglés
Sinopsis: El protagonista, aunque desciende de una antigua familia de navegantes, le tiene pánico al mar; esa es la razón por la que decide transformar el viejo barco que ha heredado en hotel y centro de recreo. 

Tal vez sea la presencia de Alec Guinness, que establece el listón tan alto (según las apariciones anteriores de Ealing) que resulta difícil juzgar la película por sus propios méritos; o tal vez sean esos breves ecos de Pimlico o Kind Hearts and Coronets (1949) (una pequeña parte de Gran Bretaña que elige separarse del resto; un pequeño grupo que se opone a un sistema burocrático; Guinness aparece en múltiples roles). Sin embargo, todos esos puntos son pequeños elementos en lo que en realidad es una producción cómica sólida y agradable con un sentido del humor astuto (a menudo autocrítica), gags visuales confiados y un fuerte desempeño del personaje central de Guinness como el Capitán William Horatio Ambrose.
Ambrose, a pesar de provenir de una larga línea de antepasados ​​marinos (los sketch cómicos cortos nos presentan la historia de la familia Ambrose desde los hombres de las cavernas hasta la Primera Guerra Mundial, con Guinness en cada función), siempre sufrió mareos y pasó la guerra trabajando en el entrenamiento. Escuelas y sobre remedios de enfermedad. Después de la guerra, y queriendo un mando propio, compra el ruinoso muelle de Sandcastle y, luchando contra el consejo local (torcido) a cada paso del camino, lo consigue al registrarlo como un barco (el 'RMS - Realmente Barco inmóvil - Arabella ') y llevando visitantes en cruceros falsos. Frente a un ataque marítimo, Ambrose se ve obligado a ir a la batalla (en un pedalo) y encuentra una cura para su mareo en el camino.
Como esa descripción probablemente deja en claro, esta es una de las historias más fantásticas de Ealing, y hace pocas afirmaciones de que algo se acerca al realismo. Es una película construida alrededor de esa figura central de Ambrose (y por lo tanto, Guinness), y pocos de los personajes de apoyo causan una impresión duradera. Guinness sigue siendo la potencia de la película, una figura naval aparentemente severa cuyo sueño poco realista revitaliza a la pequeña ciudad, atrayendo a viejos y jóvenes con un salón de baile, bebidas baratas y diversión.

Quizás la película sufra por la opinión crítica simplemente por existir tan cerca del final del estudio, una de las seis películas no basadas en Ealing producidas para MGM, el contexto que abruma el contenido real de la película; igualmente, Barr y Perry parecen criticarlo por no tener un vínculo con los eventos contemporáneos, pero se podrían argumentar en torno al 'muelle como Gran Bretaña' (literalmente se convierte en una isla, y una que solo puede ser atacada por mar), la continuación de Ealing en la década de 1950. preocupación por la diferencia generacional (Ambrose es aclamado por la juventud de la ciudad por crear un nuevo salón de baile y bar), o por el cambio de imagen de la costa británica (el muelle victoriano se derrumbó para ser reemplazado por algo más moderno).
La naturaleza lúdica y ocasionalmente surrealista de la película comienza con los títulos iniciales, donde los nombres flotan hacia arriba y hacia abajo en la pantalla como si fueran lanzados por las olas (acción en vivo); continúa a través de las viñetas de la familia Ambrose (una de las cuales se está cocinando en una olla de una tribu nativa que es claramente demasiado pequeña para que quepan todos los humanos); la defensa del muelle por tres pedales contra un bote de dragado también tiene lugar parcialmente en una pantalla de radar que lo hace parecer un videojuego; a la naturaleza destartalada y cubista de algunos de los edificios en el mismo muelle (el Crazy Cottage, que Ambrose hace de su hogar, está lleno de pisos inclinados, superficies inclinadas y techos con un ángulo extraño, y se convierte en el centro de escenas cómicas de él y de la Sra. Barrington (Irene Browne) se emborracha y se desliza uno hacia el otro. También hay una escena temprana de Ambrose aparentemente en cubierta durante una tormenta pero, a medida que la cámara retrocede, se revela que es una cubierta falsa en una escuela de entrenamiento con personas a un lado arrojando agua sobre él, pero la escena también se mantiene. como un recordatorio del engaño del cine, retrocediendo para revelar la "magia" detrás de tales escenas (lo que puede tener particular relevancia para el director Charles Frend, dado que él también estaba detrás de The Cruel Sea, 1953). Los toques cómicos ligeros y auto-referenciales como este levantan la película y equilibran la caída ocasional en el slapstick (que se encuentra en todas las comedias de Ealing).
Una entrada tardía en el canon de la comedia de Ealing, sí, pero que merece ser considerada junto con los triunfos anteriores.

Quem é Beta?

Quem é Beta?
Título original: Quem é Beta?
* 5.7
Año: 1972
Duración: 85 min.
País: Francia
Dirección: Nelson Pereira dos Santos
Guion: Gerard Leclery, Nelson Pereira dos Santos (Historia: Levi Menezes)
Fotografía: Dib Lutfi
Reparto: Noëlle Adam,  Arduíno Colassanti,  Manfredo Colassanti,  Sylvie Fennec,  José Kléber, Luiz Carlos Lacerda,  Ana Maria Magalhães,  Ana Maria Miranda,  Nildo Parente, Frédéric de Pasquale,  Dominique Rhule,  Isabel Ribeiro,  Regina Rosenburgo, Cacá Versiani
Género: Drama
Sinopsis: Después de una catástrofe que ha modificado la naturaleza del planeta y destrozado a la sociedad civilizada, una pareja comienza una nueva vida en un cobertizo. Esta relación se ve trastocada por la llegada de una mujer.

La séptima víctima

La séptima víctima
Título original: La 7ème cible
* 6.4
Año: 1984
País: Francia
Género: Drama, romance
Dirección: Claude Pinoteau
Guión: Jean-Loup Dabadie, Claude Pinoteau
Duración: 108 min
Reparto: Lino Ventura, Lea Massari, Jean Poiret, Roger Planchon, Élisabeth Bourgine, Béatrice Agenin, Jean-Pierre Bacri, Robert Hoffmann, Michael Morris, Erick Desmarestz, Jean-François Rémi
Idioma: Frances e italiano con sub en español
Sinopsis: Un periodista jubilado, Bastien Grimaldi, es víctima de unos asaltantes desconocidos, siendo asaltado y golpeado una noche, a raíz de lo cual empieza a recibir amenazas. Ni él ni su entorno pueden entenderlo. Bastien no tiene enemigos y no es un objetivo político. Se informa a la policía, pero careciendo de eficacia para esclarecer el asunto, será el propio Grimaldi el que tendrá que investigar por sí mismo el asunto.

En la sangre - Feind im Blut

En la sangre - Feind im Blut
Título original: Feind im Blut
* 6.2
Año: 1930
País: Suiza, Alemania
Género: Drama
Dirección: Walter Ruttmann
Guión: Gerhard Bienert, Walter Ruttmann, Lazar Wechsler
Duración: 49 min
Reparto: Ruth Albu, Gretelott Braxis, Walburga Gmür, H. Kraussbauer, Margarete Kupfer, Ilse Stobrawa, Zoya Valevskaya, Harry Berber, Max Bernhardt, Gerhard Bienert, Wolfgang Klein, Hellmut Kraus, W. Kraussbauer, W. Lüdeke, P. Mette
Idioma: Aleman con sub en español
Sinopsis: A través de una serie de dramas particulares que tienen como protagonistas a un estudiante de medicina, un obrero de una fábrica y una señora casada, se van descubriendo detalles acerca de la sífilis, enfermedad introducida por los conquistadores españoles en el continente, y cuyos devastadores efectos hizo que se pensara en la imperiosa necesidad de educar a la población con esta peculiar propaganda sanitaria anti-sífilis

LOS HOMBRES NO LLORAN - Men Don't Cry

LOS HOMBRES NO LLORAN  -  Men Don't Cry
Título original: Muskarci ne placu
** 7.4
Año: 2017
País: Bosnia y Herzegovina, Eslovenia, Alemania, Croacia
Género: Drama
Dirección: Alen Drljevic
Guión: Alen Drljevic, Zoran Solomun
Duración: 98 min.
Reparto: Boris Isakovic, Leon Lucev, Emir Hadzihafizbegovic, Sebastian Cavazza, Ermin Bravo, Boris Ler, Ivo Gregurevic, Izudin Bajrovic
Idioma: Bosnio con subs en español
Sinopsis: Un grupo de veteranos con heridas de guerra de ambos bandos del conflicto yugoslavo son reunidos por unos pacifistas para compartir sus experiencias bélicas y tratar de establecer un grado de confianza entre ellos. Las emociones están a flor de piel cuando viejas enemistades y hostilidades salen a la luz, pero los participantes poco a poco dejan de lado sus diferencias y consiguen llegar a un entendimiento y respeto mutuo, o al menos tolerancia, a pesar del derramamiento de sangre que ocurrió en el pasado. (FILMAFFINITY)

Men Don’t Cry (Alen Drljevic)
Escrito por Pablo García Márquez / cinemaldito.com 
La primera crónica del Festival de Sarajevo no podía ser otra que la bosnia Men Don’t Cry, que ha acaparado el aplauso general durante su proyección en el Teatro Nacional. La cinta de Alen Drljevic venía abalada tras su paso por el Festival de Karlovy Vary, donde se alzó con el premio especial del jurado.
Men Don’t Cry nos sitúa en un hotel en medio de las montañas, en algún lugar recóndito de Serbia, donde diferentes veteranos de guerra de todas las partes implicadas en las pasadas guerras que asolaron la antigua Yugoslavia (serbios, bosnios y croatas), se reúnen por medio de una organización para encontrar algo parecido a una reconciliación, o al menos, para superar los diferentes traumas que achacan a cada uno de estos hombres.
No hace falta hablar mucho más de la sinopsis de la historia. Sin duda es una descripción potente, que llama la atención, aunque siempre está el miedo a encontrarse ante una cinta donde su interesante premisa se estanca o agota en los primeros minutos. No es el caso de la obra en cuestión por varias decisiones que toma su realizador.
La primera de ellas es el tratamiento casi documental de las sesiones a las que se enfrentan los personajes, donde tienen que revivir las experiencias de la guerra que los han marcado de manera irremediable, ayudado por los demás personajes en una teatralización del momento en un intento de expiar sus miedos. Sin duda, estos momentos entre hombres que de inicio se odian con toda la fuerza posible aún de 20 años después, adquieren una enorme carga dramática.
Lo interesante de este grupo de hombres aparentemente rudos, es que los une varios hilos dramáticos y narrativos. Sí, todos ellos fueron soldados en la guerra, todos arrastran un trauma y además, todos han acabado solos, especialmente en lo referente a las mujeres de sus vidas, sean sus madres, hijas o hermanas. Porque la película también analiza una cierta masculinidad herida, un retrato de lo que sucede cuando los guerreros vuelven a sus casas, y lo que encuentran es un mundo que ya no comprenden y se mueven de manera tosca, emanando violencia o locura. Una masculinidad arcaica y que naufraga en el mundo moderno de hoy en día.
La obra, además, hace un retrato brutal de los personajes y sus traumas, al punto que prácticamente actúan por los sucesos del pasado. Después de 20 años, sus vidas diarias se rigen por lo que sucedió dos décadas atrás. Están atrapados. No son el presente de sus países, ni pueden ser el futuro. Son un pasado que deambula como una sombra por una sociedad que intenta avanzar a duras penas. En este punto la cinta se muestra coherente hasta el último momento y hasta cruel. Basta recordar la escena, por lo demás demasiado fácil, en la que los personajes se encuentran con un grupo de chavales de un conocido equipo de fútbol donde militan jugadores de diferentes religiones. Los miran recordando lo que una vez fueron, y lo que nunca volverán a tener.
La película de Alen Drljevic no intenta responder quién empezó la guerra, ni tampoco cómo pudo suceder. Curiosamente, esto no crea una equidistancia moralmente deleznable. Simplemente no es la pregunta a responder. Tampoco intenta recrearse en el dolor, ni utiliza casi ninguna clase de herramientas cinematográficas para potenciar el drama. Solo necesita un hotel entre las montañas, un desecho de hombres con el alma rota y la interacción entre ellos para calarnos hondo, a parte de los terroríficos momentos donde deben recrear sus traumas, filmado a la manera casi documental, frío, seco.
Pero más allá de estos momentos dramáticos de la recreación de los sucesos de la guerra, la película se sustenta en sus personajes y en la interacción que se produce entre ellos. Tras un inicio gélido, por no decir complicado, descubrimos que los tres grupos muestran fisuras entre ellos mismos. Si al principio vemos, por ejemplo, a los bosníacos unidos, pronto se muestra una brecha entre ellos producido por la religión o la manera de entender la contienda. Esto sucede de igual forma en los diferentes “equipos”. Lo que comienza siendo una presentación de personajes mostrados con simples pinceladas, va entrando en una compleja zona gris, entre otras cosas, por la obligación que rige —y que realmente existe— a este tipo de encuentros donde los veteranos de guerra deben compartir habitación con el “enemigo”.
Pronto surge entre algunos de ellos una cierta comprensión, motivados al descubrir los solos que se han quedado en este mundo y al ir descubriendo y sintiendo como propios los traumas de los demás. El alcohol y los cigarros hasta altas horas de la noche parece entonces hacer más efecto que las sesiones, las caminatas al aire libre o los juegos a los que deben hacer frente y que comanda un psicólogo esloveno.
Tal vez uno de los grandes aciertos de Alen Drljevic reside en plasmar este acercamiento y distanciamiento de los personajes de manera sutil pero creíble. Nada resulta forzado. Todo fluye, natural. Y esto es gracias a la construcción de unos personajes que siempre tienen un porqué en cada una de sus acciones. Siempre.
Men Don’t Cry es una de las obras más estimulantes de la temporada, con un trabajo actoral impresionante, donde podemos encontrar a algunos de los mejores actores de la región balcánica. Y aunque sean nueve hombres, la película se detiene en cinco de ellos. Habría que recordar que algunos de ellos participaron en la guerra. Que fueron enviados al frente. Incluso en el caso del actor croata Leon Lucev, su historia, la primera que se cuenta, está basada en una experiencia personal parecida.
Tal vez estemos, por fin, ante un tipo de drama bosnio que ha dominado la escena cinematográfica de la última década, donde se han superado ciertos mecanismos y miradas que se repetían. Men Don’t Cry no es un punto y final al trauma, pero la extraña sensación que se saca de su visionado es que ahora toca mirar hacia adelante, donde una nueva generación debe enfrentarse a una terrible situación económica y política producto de la guerra —y de una paz necesaria pero cuyos mecanismos, en los acuerdos de Dayton, mantienen prácticamente al país al borde del abismo—. En resumen, una cinta que sigue ahondando en la idea de una cierta reunificación, si no territorial, al menos moral.
Producida, entre otros, por la cineasta Jasmila Zbanic, Men Don’t Cry es un artefacto construido y trabajado desde las experiencias de sus actores, que se fusionan en un juego de espejos con sus personajes, reproduciendo en muchas ocasiones la actividad que realmente se lleva a cabo entre los reencuentros de veteranos, donde sobresale en medio del drama y la tensión un maravilloso humor negro que salpica el relato allí y allá.
Por último y para no extenderme, estamos ante una obra local que se entiende de manera universal, algo por otro lado a lo que nos tiene acostumbrados el cine bosnio. Una historia que puede entenderse y emocionarsenos viviendo en Munich, Buenos Aires o Casablanca, por mucho que funcione como expiación de los traumas y miedos que aún se sienten en Bosnia y tenga, sin duda, un significado propio en Sarajevo.
No es necesaria. No debe ponerse en las escuelas.
Llevo un tiempo con la mosca detrás de la oreja al comprobar que en Europa se suele mirar casi de manera paternalista al cine bosnio y que en ocasiones parece que si una película, sea buena o mala, hable de la Guerra de los Balcanes ya tiene el aplauso asegurado.
Simplemente es una muy buena película que animo a verla.

KARLOVY VARY 2017 Competición
Men Don't Cry: usar el drama psicológico hasta conseguir un efecto cinematográfico catártico
por Vladan Petkovic / cineuropa.org 
Alen Drljevic utiliza el drama psicológico como herramienta para cuestionar el pasado bélico y turbulento de la antigua Yugoslavia
El director bosnio ha traído su primera película de acción, Men Don't Cry, a la competición oficial de Karlovy Vary. Esencialmente, una pieza de cámara que transcurre en un hotel. La cinta muestra un taller terapéutico para veteranos de guerra, de la antigua Yugoslavia, que se enfrentan a sus traumáticos pasados en forma de drama psicológico. En lo que respecta al uso que el director hace del método como herramienta cinematográfica, la contribución clave es la del reparto de estrellas de los Balcanes, con Leon Lucev y Boris Isakovic como protagonistas, junto con las grandes participaciones de Emir Hadžihafizbegovic, Boris Ler, Ermin Bravo, Ivo Gregurevic y Sebastian Cavazza. 
La película abre con un ejercicio simple que, en seguida, se convertirá en una pelea. Los veteranos bosnios, serbios y croatas se acaban de reunir en un hotel aislado en las montañas, y los sentimientos está a flor de piel. Después, el croata Andrija (el actor esloveno Primož Petkovšek) se va furioso, ya que no entiende que su compatriota Valentin (Lucev) no quiere comprometerse con la narrativa nacionalista de su país, o de ninguno de los tres países, de hecho. Solo cambia la nacionalidad, el modelo de pensamiento, desarrollado a través del adoctrinamiento, es idéntico.
Al día siguiente, el jefe esloveno del taller, Ivan (Cavazza), anima a los participantes a empezar a hacer frente a sus traumas. El primero en contar su devastadora historia de culpa, y representarla a través de un modelo de drama psicológico junto a sus compañeros, es Valentin. 
Por otra parte, dos de los bosnios del grupo, Merim (Hadžihafizbegovic), de mediana edad, y el veinteañero en silla de ruedas Jasmin (Ler), se ven envueltos en un conflicto. Mientras que Merim, no solo es un musulmán devoto, sino también supersticioso, Jasmin es, entendiblemente, completamente nihilista, al haber terminado paralitico a una edad tan temprana.
En un momento durante el día, Miki (Isakovic), le compra al recepcionista (Izudin Bajrovic) un brandy casero y en plena borrachera empieza a cantar una conocida canción yugoslava, un éxito en todo el antiguo territorio. Esta escena termina con el destrozo del restaurante del hotel, con una especie de juego de guerra en el medio. Ya sean víctimas, criminales o héroes de guerra, los hombres de los Balcanes no cambian.
Antes de la conmovedora y última escena, veremos las representaciones de la tortura de Merim en un campo de refugiados y la experiencia de Miki de ser forzado a matar civiles, a la vez que averiguaremos los verdaderos motivos de la furia de Jasmin. Todas estas secuencias por separado son tremendamente catárticas, muestran el brillante talento de los actores, el resultado total es, realmente, devastador.
Los personajes de Lucev y Isakovic son los machos alfa, y también son los dos actores que dominan la película. Pero el nerviosismo de Hadžihafizbegovic, la calmada furia de Ler y especialmente la vulnerabilidad de todo el reparto, es lo que mantiene el equilibrio de las actuaciones y se aleja del sentimentalismo exagerado, incluso con todos los gritos, cantos, fuego, lágrimas e incluso sangre que contiene la cinta.
El uso de Drljevic de espacios cerrados y limitados es magistral, y el drama psicológico como herramienta es tan catártico para el espectador como para los personajes, y como debe serlo para todos los veteranos que se dejan llevar y deciden aceptar y enfrentarse a sus pasados desagradables en la realidad.

María Rosa

María Rosa
Título original: María Rosa
** 6.9
Año: 1965
País: España
Género: Drama
Dirección: Armando Moreno
Guión: Enrique Josa, Armando Moreno, José María Nunes, Ricard Salvat (Obra: Ángel Guimerà)
Duración: 84 min
Reparto: Núria Espert, Francisco Rabal, Asunción Balaguer, Carlos Otero, Antonio Canal, Luis Davila, Antonio Vico
Idioma: Castellano
Sinopsis: Con el propósito de conseguir a María Rosa, la mujer de la que está profundamente enamorado, Marsal asesina a un prestamista odiado por todo el pueblo y hace recaer las sospechas sobre su amigo Andrés, el marido de su amada. Encarcelado Andrés, Marsal se convierte en el protector de María Rosa mientras espera el desarrollo de los acontecimientos.

Acero

Acero
Título original: Acciaio
** 6.7
Año: 1933
País: Italia
Género: Drama
Dirección: Walter Ruttmann
Guión: Emilio Cecchi, Stefano Landi, Walter Ruttmann, Mario Soldati (Novela: Luigi Pirandello)
Duración: 66 min
Reparto: Piero Pastore, Isa Pola, Vittorio Bellaccini, Alfredo Polveroni, Olga Capri, Romano Calò, Romolo Costa, Domenico Serra, Giulio Massarotti, Arcangelo Aversa, Enzo Paglierici, Luigi Erminio D'Olivo
Idioma: Italiano con sub en español
Sinopsis: Mario, obrero de la acería de Terni, está enamorado de Gina, que, sin embargo, va a casarse con Pietro, compañero de Mario. Cuando éste se entera, solo la amistad y el compañerismo que le une a Pietro le ayuda a superar la decepción. Este delicado equilibrio de pasiones se ve trágicamente alterado tras un accidente en la fábrica del cual es culpado Pietro.