miércoles, 27 de febrero de 2019
Uno, dos, tres
Uno, dos, tres
Título original: One, Two, Three
*** 7.9
Año: 1961
País: Estados Unidos
Género: Comedia
Dirección: Billy Wilder
Guión: Billy Wilder & I.A.L. Diamond (Teatro: Ferenc Molnár)
Duración: 104 min
Reparto: James Cagney, Pamela Tiffin, Horst Buchholz, Arlene Francis, Lilo, Pulver, Howard St. John, Hanns Lothar, Leon Askin, Ralf Walter, Karl Lieffen, Hubert von Meyernick
Idioma: Inglés y español con subtítulos en español
Sinopsis: C.R. MacNamara, representante de una multinacional de refrescos en Berlín Occidental, acaricia desde hace tiempo la idea de introducir su marca en la URSS. Sin embargo, el señor Hazeltine le encarga cuidar de su hija Scarlett, que llega a Berlín esa misma tarde. Se trata de una alocada joven que, a los dieciocho años, ya ha estado prometida en cuatro ocasiones. Scarlett, eludiendo la vigilancia de MacNamara, se enamora de Otto Piffl, un joven comunista.
A quemarropa
A quemarropa
Título original: Point Blank
** 7.4
Año: 1967
Duración: 92 min.
País: Estados Unidos
Dirección: John Boorman
Guion: Alexander Jacobs, David Newhouse, Rafe Newhouse (Novela: Donald E. Westlake)
Música: Johnny Mandel
Fotografía: Philip Lathrop
Reparto: Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn, John Vernon, Carroll O'Connor, Lloyd Bochner, Michael Strong, Sharon Acker, James Sikking, Sid Haig
Género: Thriller
Sinopsis: Después de haber dado un golpe muy lucrativo, un hombre es traicionado por su esposa y por su mejor amigo. Ambos lo abandonan, dándolo por muerto, en una celda de la abandonada prisión de Alcatraz. Años después, intentará vengarse y recobrar su parte del botín.
miércoles, 20 de febrero de 2019
O Homem do Pau-Brasil
O Homem do Pau-Brasil
Título original: O Homem do Pau-Brasil
* 6.8
Año: 1982
País: Brasil
Género: Comedia
Dirección: Joaquim Pedro de Andrade
Guión: Oswald de Andrade (varios escritos suyos), Alexandre Eulálio, Joaquim Pedro de Andrade
Duración: 101 minutos
Reparto: Juliana Carneiro da Cunha, Ítala Nandi, Flávio Galvão, Regina Duarte, Cristina Aché, Lucélia Maquiavelli, Paulo Hesse, Guará Rodrigues, Carlos Gregório, Maria do Carmo Sodré
Idioma: Portugués con subts. en castellano
Sinopsis: Biografía loca de Oswald de Andrade, uno de los íconos más importantes del Modernismo en Brasil. Polémico, mujeriego, creativo y estudioso, el escritor viaja por el mundo acumulando ideas, confusiones y amores.
Gerra conyugal
Gerra conyugal
* 6.8
Título original: Guerra Conjugal
Año: 1976
País: Brazil
Género: Comedia
Dirección: Joaquim Pedro de Andrade
Guión: Joaquim Pedro de Andrade, Dalton Trevisan (story)
Duración: 86 min.
Reparto: Cristina Aché, Wilza Carla, Maria Lúcia Dahl, Lima Duarte, Elza Gomes, Carlos Gregório, Carlos Kroeber, Oswaldo Louzada, Lutero Luiz, Dirce Migliaccio, Virgínia Moreira, Ítala Nandi, Analú Prestes, Carmem Silva, Joffre Soares
Idioma: Portugués con subtítulos en español
Sinopsis:
Varias historias se desenvuelven en paralelo. El abogado Osíris, que seduce mujeres en su oficina., se convierte en amante de Olga, una señora que simula pudores para sentirse más deseable; un amigo de Osíris, bien posicionado en la sociedad, siente deseos homosexuales; una pareja pobre vive en creciente conflicto; y el tímido Nelsinho solo se siente apto para una vida conyugal plena después de tener relaciones con una prostituta.
Brazilia Festival of Brazilian Cinema 1975
Won
Candango Trophy
Best Film (Melhor Filme)
Joaquim Pedro de Andrade
Best Director (Melhor Diretor)
Joaquim Pedro de Andrade
Best Actress (Melhor Atriz)
Elza Gomes
For Nem Os Bruxos Escapam
Best Editing (Melhor Montagem)
Eduardo Escorel
São Paulo Association of Art Critics Awards 1976
Won APCA Trophy
Best Actor (Melhor Ator)
Carlos Gregório
martes, 19 de febrero de 2019
Viuda y sabia
Viuda y sabia
Título original: The Wistful Widow of Wagon Gap
** 7.4
Año: 1947
País: Estados Unidos
Género: Comedia. Western.
Dirección: Charles Barton
Guión: Robert Lees, Frederic I. Rinaldo, John Grant (Historia: D.D. Beauchamp, William Bowers)
Duración: 77 min.
Reparto: Bud Abbott, Lou Costello, Marjorie Main, Audrey Young, George Cleveland, Gordon Jones, William Ching, Peter M. Thompson, Bill Clauson, Billy O'Leary, Pamela Wells, Jimmy Bates, Paul Dunn, Diane Florentine, Rex Lease, Glenn Strange, Edmund Cobb, Wade Crosby, Dewey Robinson, Murray Leonard
Idioma: Inglés con subs en español
Sinopsis: Chester Wooley y Duke Egan son unos vendedores ambulantes que realizan una escala en Wagon Gap, Montana, mientras se dirigen a California. Durante la escala, un criminal famoso, Fred Hawkins, es asesinado, y los dos son acusados del crimen. Rápidamente son juzgados, condenados y sentenciados a morir en la horca. El jefe del comité de ciudadanos locales, Jim Simpson, recuerda una ley por la cual el vencedor en un duelo debe asumir la responsabilidad de las deudas y la familia del difunto. La ley impide la ejecución de los dos, pero ahora Chester es responsable de la viuda Hawkins y sus siete hijos...
viernes, 15 de febrero de 2019
Blanka
Blanka
Título original: Blanka
** 7.1
Año: 2015
País: Filipinas, Italia, Japón
Género: Drama
Dirección: Kohki Hasei
Guión: Kohki Hasei
Duración: 75 min.
Reparto: Cydel Gabutero, Peter Millari, Jomar Bisuyo, Raymond Camacho, Ruby Ruiz
Datos del archivo:
Idioma: Tagalog con subs en español
Sinopsis: Blanka sigue la vida de una pequeña niña (Cydel Gabutero), quien pide limosnas y le roba a los turistas para sobrevivir en la ciudad de Manila, hasta que un día se le ocurre la absurda idea de “comprarse” una madre para arreglar su vida.
VENECIA 2015 Biennale College Cinema
Blanka: “¿Por qué los pollos no vuelan si tienen alas?”
por Madison Moore / cineuropa.org
La nueva película de Kohki Hasei, una coproducción entre Italia y Japón proyectada en la sección Biennale College, explora los bajos fondos de Manila
Blanka, de 11 años, vaga entre la oscuridad y la luz a lo largo de su viaje como huérfana de Manila. En la nueva película del director Kohki Hasei, Blanka (desarrollada y producida en el Biennale College Cinema y una de las tres películas proyectadas en esta sección paralela de la Mostra de Venecia) se enfrenta a los desafíos de la vida en la calle y del crecimiento conservando su impresionante autoestima. Hasei sigue la historia basada en su entorno precario, con personajes que a menudo se ven obligados a elegir entre el menor de dos males para sobrevivir. Aun así, la ternura y el humor siguen aflorando, recordándonos el principal deseo del ser humano: pertenecer y ser amados.
Después de que un grupo de envidiosos chicos de la calle destruya su casa, Blanka (Cydel Gabutero) habla con Peter (Peter Millari), un guitarrista ciego de edad avanzada, sobre trasladarse a otra parte para actuar. Emprenden este nuevo camino y, a pesar de que se aprovechan de ellos, la pareja recibe atención y elogios que dan lugar a nuevas y emocionantes oportunidades. Mientras tanto, la niña cuelga letreros por la ciudad en los que se ofrece a pagar 30.000 pesos para comprar una madre, después de haber visto en televisión a una famosa actriz debatiendo la adopción de huérfanos de la calle. Blanka ahorra (y roba) para la compra sin decírselo a Peter, que cuida de ella como si fuese su propia hija hasta que son separados. En su periplo para reunirse, unos amigos inesperados los ayudan a hacer frente a enemigos por el camino.
Aunque clásica en estructura y estilo, la película ofrece refrescantes sorpresas a medida que avanza. Se adentra en coloridos rincones y recovecos recurriendo a numerosas yuxtaposiciones y detalles sensoriales de Manila. La ciudad cambia del día a la noche, presentando nuevos personajes, obstáculos y oportunidades a los que Blanka se enfrenta constantemente. La película pone tanto énfasis en su difícil batalla que en ocasiones parece que roza el exceso. Sin embargo, los momentos en los que se comporta como cualquier otro niño (traviesa, creativa y boba) la hacen comprometida y real. Otros momentos carecen de impulso y se desvían del arco emocional de la historia; no obstante, en cierto sentido, eso refleja con más realismo la vida de los personajes.
Blanka, coproducida por la compañía italiana Dorje Film junto con Japón, es conmovedora y refrescante en su retrato de estos personajes. Permite pacientemente que emanen profundidad emocional sin llegar a ser demasiado sentimental. En cambio, son complejos, conservando sus defectos y vicios al mismo tiempo que demuestran virtudes admirables y comprensión hacia los demás y su entorno. En definitiva, su mutua aceptación confiere a la película su relevancia, elevándola de una presentación de la difícil situación de los personajes a una lección sobre lealtad y perseverancia.
Premios y Nominaciones
2015 Venice Film Festival Best Film in a Foreign Language: Winner
2016 Fribourg International Film Festival: Winner
2015 Kolkata International Film Festival: Winner
miércoles, 13 de febrero de 2019
Más allá del olvido
Más allá del olvido
Título original: Más allá del olvido
*** 7.1
Año: 1956
Duración: 93 min.
País: Argentina
Dirección: Hugo del Carril
Guion: Eduardo Borrás
Música: Tito Ribero
Fotografía: Alberto Etchebehere (B&W)
Reparto: Laura Hidalgo, Hugo del Carril, Pedro Laxalt, Eduardo Rudy, Gloria Ferrandiz, Francisco López Silva, Ricardo Galache, Ricardo de Rosas
Género: Drama
Sinopsis: Un hombre que ama profundamente a su mujer, se desgarra ante su muerte por enfermedad. Tras caer en la desesperación, emprende un viaje intentando olvidarla pero, en París, conoce a una sosias de su amada. El hombre rescata a esa mujer de los cabaret en los que se gana la vida como artista de espectáculos, explotada por un proxeneta; cree enamorarse, se casan y la lleva a vivir a su mansión. Esta pobre mujer, inculta, bruta y ordinaria debe enfrentarse a una servidumbre respetuosa pero hostil y, sobre todo, a la constante comparación que su marido establece con la otra. Tras mucho luchar, la patética criatura por fin parece conseguir el amor de su marido por ella misma. Sin embargo, la aparición del proxeneta desencadena la tragedia
Los paraísos perdidos
Los paraísos perdidos
Título original: Los paraísos perdidos
** 6.8
Año: 1985
País: España
Género: Drama
Dirección: Basilio Martín Patino
Guión: Basilio Martín Patino
Duración: 84 min
Reparto: Charo López, Alfredo Landa, Francisco Rabal, Juan Diego, Ana Torrent, Miguel Narros, Juan Cueto
Idioma: Español
Sinopsis: Una mujer vuelve al territorio de su infancia, localizado en una ciudad castellana, después de haber crecido en el vacío que siguió a la guerra civil española. A su regreso se enfrenta a la muerte de su madre, al reencuentro con los lugares y personas que compusieron su entorno antes del exilio y al posible destino del legado de su padre, ya fallecido. Al tiempo que lleva a cabo esa “recuperación” de su pasado, la protagonista traduce el “Hiperión”, de Hölderlin, y esa tarea se convierte en cauce privilegiado para sus reflexiones sobre “los paraísos perdidos”: el futuro negado, el exilio, el desarraigo, la posibilidad de mantener la esperanza.
Un libro, una ciudad, una historia
Los paraísos perdidos no es sólo la mejor película española de la rentrée, sino el más convincente testimonio de la rigurosa trayectoria artística de uno de nuestros cineastas mayores.
La película no es fácil, pero a nadie que se abandone sin ideas fijas a su flujo de hermosas imágenes le resultará difícil de seguir y disfrutar; la película es descaradamente personal, pero a nadie con un mínimo de sensibilidad histórica y curiosidad estética le podrá dejar indiferente.
Los paraísos perdidos, además, es varias películas, o una obra que permite fijar nuestro interés en registros distintos, incluso contrapuestos.
Es, en primer lugar, el reencuentro con la ficción de un director que no hacía cine desde 1976, y cuyas tres últimas películas habían sido documentales de archivo o reportaje.
Pero al mismo tiempo es la insinuación de un imposible regreso a la ficción narrativa tradicional: el film esta muy cargado sentimental e históricamente, pero audazmente desdramatizado, articulado formalmente sobre la base de estampas separadas, páginas de diario y anotaciones marginales, tanto paisajistas cómo anecdóticas.
Es también una película sobre un libro fascinante (el “Hiperión”, de Hölderlin, cuyas citas tan sutilmente guían y marcan los estados morales y las ensoñaciones del personaje central, que interpreta con su habitual calidad Charo López) y sobre la fascinación de una ciudad (Salamanca) y un entorno físico y monumental, el de la alta Castilla.
Es, por último, la mirada ácida de un exiliado interior (el propio Patino) al presente marco intelectual de su país.
Es, en suma, una gran película que ennoblece el cine español en uno de los momentos más denostados de su historial reciente.
Vicente Molina Foix. CAMBIO 16. 4 de noviembre, 1985
Os Inconfidentes
Título original: Os Inconfidentes
** 7.00
Año: 1972
País: Brasil, Italia
Género: Drama, Histórico
Dirección: Joaquim Pedro de Andrade
Guión: Joaquim Pedro de Andrade, Eduardo Escorel, Cecília Meireles
Duración: 79 min
Reparto: José Wilker, Luis Linhares, Paulo César Peréio, Fernando Torres, Carlos Kroeber, Nelson Dantas
Idioma: Portugués con subs en español, inglés y francés
Sinopsis: Reconstrucción de Inconfiência Mineira, conspiración independista del siglo XVIII, en Minas Gerais, centro de las riquezas coloniales, contra el dominio colonial portugués. Del grupo formaban parte poetas y nobles, incluso el sacerdote y el coronel de la guarnición. El dentista Tirandentes es torturado para que divulgue su participación en la conspiración contra la corona portuguesa; sus cómplices ya habían confesado, negando su propia responsabilidad. Tiradentes es el único que lo asume plenamente, siendo condenado a muerte.
martes, 12 de febrero de 2019
No me mires de esa manera v/ Don't Look at Me That Way
No me mires de esa manera v/ Don't Look at Me That Way
Título original: Schau mich nicht so an
** 6.7
Año: 2015
País: Alemania, Mongolia
Género: Drama
Dirección: Uisenma Borchu
Guión: Uisenma Borchu
Duración: 88 min.
Reparto: Uisenma Borchu, Catrina Stemmer, Josef Bierbichler, Anne-Marie Weisz, Katja Brenner, Andreas Karl, Rasmus Max Wirth
Idioma: Alemán con subs en español
Sinopsis:
Iva, madre soltera de Sofía, una niña de 5 años, se enamora locamente de su atractiva y fascinante vecina, Heidi. Las dos mujeres comparten una bonita complicidad, dulcificada por la alegría de la pequeña al ver una desconocida tan cautivadora irrumpir en su vida cotidiana, hasta entonces poco sorprendente. Pero Heidi parece no tener límites y quererlo todo. Su pensamiento y comportamiento enigmático comienzan a desconcertar a Iva, quien querría tener la certeza de que sus sentimientos son mutuos. Las cosas se complican aún más cuando el padre de Iva aparece de repente tras años de ausencia.
BLACK NIGHTS 2015 Competición Óperas primas
Don't Look at Me That Way: viaje al centro del torbellino
por Laurence Boyce / cineuropa.org
La directora de origen mongol Uisenma Borchu debuta con un film que aborda la complejidad de la feminidad, la identidad y la madurez; la cinta se ha proyectado en el Black Nights
Rotundamente abstracta desde el comienzo, Don’t Look at Me That Way, de Uisenma Borchu, es un análisis disperso -aunque satisfactorio en muchos aspectos- de los roles femeninos, el poder de la sexualidad y la alienación entre culturas. La cinta, que combina un estilo naturalista con una persistente atmósfera surrealista, se estrenó mundialmente en la sección de óperas primas del 19º Black Nights Film Festival.
Hedi (interpretada por Borchu) es la nueva vecina de Iva, quien vive con su joven hija, Sophia. A Iva le está costando conciliar ser madre soltera con tener una vida personal -o algo que se le parezca-, así que Hedi es para ella un soplo de aire fresco. Las dos comienzan una relación compleja que se complica aun más cuando el padre de Iva irrumpe en la situación, despertando el deseo de Hedi. Los mundos de los personajes no tardarán en chocar.
Esta es una cinta intensamente personal, pues Borchu se ha hecho cargo de la dirección, la escritura y la interpretación del papel principal. En muchos aspectos, este es un elemento central de la película: Hedi -desgarrada entre la cultura alemana y sus propias raíces- lleva una vida acorde a sus principios, sin dejar que nadie la influencie. Esto hace de ella una especie de torbellino que sirve como fuerza dinámica de la película, pues su singular manera de entender la vida afecta a todos los que la rodean.
Esta tendencia al caos puede desequilibrar el film en algunas escenas. La cinta trata de ser a la vez -sin lograr del todo una cohesión- un drama de relaciones, un tratado sobre la sexualidad femenina y el deseo, un análisis sobre cómo la maternidad puede llevar a la subyugación e incluso un thriller hitchcockiano. Sin embargo, también es esta libérrima improvisación la que produce los momentos más interesantes, pues la película rehúsa someterse a formas narrativas convencionales y a menudo trilladas.
lunes, 11 de febrero de 2019
Schalcken the Painter
Schalcken the Painter
Título original: Schalcken the Painter
*** 7.1
Año: 1979
País: Reino Unido
Género: Drama, Fantasía, Horror
Dirección: Leslie Megahey
Guión: Leslie Megahey, Paul Humfress, Sheridan Le Fanu (basado en su relato)
Duración: 68 min.
Reparto: Jeremy Clyde, Maurice Denham, Cheryl Kennedy, John Justin, Anne Tirard, Anthony Sharp, Val Penny, Roy Evans, Eric Francis, Charles Gray, Victor Dear, Rosemary Jenner, Amanda Carlson, Helena Clayton, Charles Stewart
Idioma: Inglés con subtítulos en español
Sinopsis: Godfried Schalken es alumno del pintor Gerrit Dou. Mientras trabaja en el estudio de este último, se enamora de la sobrina de su maestro, que para su desgracia, se compromete con un misterioso millonario de rostro cadavérico que le ofrece su fortuna. Schalcken promete volver cuando triunfe como pintor y haya ganado el suficiente dinero para librar a su amada de su fatídico matrimonio... pero... quizá ya sea tarde para evitar algo más horrible de lo que había imaginado
Basado en un corto relato de Sheridan Le Fanu, la historia sigue a un joven pintor flamenco del siglo XVII Godfried Schalcken, que abandona el amor por la ambición, pero descubre que debe pagar un terrible por su elección. Rodada con esquisitez, la película posée una atmósfera de terror que inquieta, y relata la oscura relación entre el arte, el comercio y el deseo erótico. El excelente reparto incluye a Jeremy Clyde, Maurice Denman y Cheryl Kennedy.
sábado, 9 de febrero de 2019
La estatua viviente
La estatua viviente
Título original: La statua vivente
***9.00
Año: 1943
País: Italia
Género: Drama
Dirección: Camillo Mastrocinque
Guión: Tebaldo Cicconi, Camillo Mastrocinque, Giorgio Pastina
Duración: 85 min.
Reparto: Laura Solari, Fosco Giachetti, Camillo Pilotto, Lauro Gazzolo, Renato Malavasi, Dhia Cristiani, Olga Solbelli, Amina Pirani Maggi, Guido Celano, Pina Renzi
Idioma: Italiano con subtitulos incrustados en español
Sinopsis: A esta altura todo el mundo sabe que Vértigo de Hitchcock tiene un precedente apócrifo en la novela Brujas, la muerta (1892) del belga Francois Rodenbach (llevada al cine en 1956 por Hugo del Carril con el título Más allá del olvido). Lo que se sabe menos es que Brujas, la muerta tiene también un precedente argumental en la obra Le statua di carne (1877) de Teobaldo Cicconi y que ésta fue adaptada al cine por Camillo Mastrocinque en medio de la segunda guerra mundial. Como resultado, el film La estatua viviente (que no conoce nadie) anticipa en más de una década la tortuosa historia de un hombre que pierde a la mujer amada y luego cree posible recuperarla en el cuerpo de otra que se le parece mucho. Siempre se dice que el cine del fascismo se caracterizó por sus comedias de teléfonos blancos, pero no hay nada de eso en este drama necrófilo de ambientación portuaria.
miércoles, 6 de febrero de 2019
EL Capitán Mareado / All at Sea
EL Capitán Mareado / All at Sea
Título original: Barnacle Bill
** 7.00
Año: 1957
País: Reino Unido
Género: Comedia. Aventuras marinas
Dirección: Charles Frend
Guión: T.E.B. Clarke
Duración: 83 min
Reparto: Alec Guinness, Irene Browne, Maurice Denham, Percy Herbert, Victor Maddern, Allan Cuthbertson, Harold Goodwin, Richard Wattis, Lionel Jeffries, George Rose, Lloyd Lamble, Harry Locke, Mike Morgan, Max Butterfield, Donald Churchill, Donald Pleasence
Idioma: Inglés con subs en inglés
Sinopsis: El protagonista, aunque desciende de una antigua familia de navegantes, le tiene pánico al mar; esa es la razón por la que decide transformar el viejo barco que ha heredado en hotel y centro de recreo.
Tal vez sea la presencia de Alec Guinness, que establece el listón tan alto (según las apariciones anteriores de Ealing) que resulta difícil juzgar la película por sus propios méritos; o tal vez sean esos breves ecos de Pimlico o Kind Hearts and Coronets (1949) (una pequeña parte de Gran Bretaña que elige separarse del resto; un pequeño grupo que se opone a un sistema burocrático; Guinness aparece en múltiples roles). Sin embargo, todos esos puntos son pequeños elementos en lo que en realidad es una producción cómica sólida y agradable con un sentido del humor astuto (a menudo autocrítica), gags visuales confiados y un fuerte desempeño del personaje central de Guinness como el Capitán William Horatio Ambrose.
Ambrose, a pesar de provenir de una larga línea de antepasados marinos (los sketch cómicos cortos nos presentan la historia de la familia Ambrose desde los hombres de las cavernas hasta la Primera Guerra Mundial, con Guinness en cada función), siempre sufrió mareos y pasó la guerra trabajando en el entrenamiento. Escuelas y sobre remedios de enfermedad. Después de la guerra, y queriendo un mando propio, compra el ruinoso muelle de Sandcastle y, luchando contra el consejo local (torcido) a cada paso del camino, lo consigue al registrarlo como un barco (el 'RMS - Realmente Barco inmóvil - Arabella ') y llevando visitantes en cruceros falsos. Frente a un ataque marítimo, Ambrose se ve obligado a ir a la batalla (en un pedalo) y encuentra una cura para su mareo en el camino.
Como esa descripción probablemente deja en claro, esta es una de las historias más fantásticas de Ealing, y hace pocas afirmaciones de que algo se acerca al realismo. Es una película construida alrededor de esa figura central de Ambrose (y por lo tanto, Guinness), y pocos de los personajes de apoyo causan una impresión duradera. Guinness sigue siendo la potencia de la película, una figura naval aparentemente severa cuyo sueño poco realista revitaliza a la pequeña ciudad, atrayendo a viejos y jóvenes con un salón de baile, bebidas baratas y diversión.
Quizás la película sufra por la opinión crítica simplemente por existir tan cerca del final del estudio, una de las seis películas no basadas en Ealing producidas para MGM, el contexto que abruma el contenido real de la película; igualmente, Barr y Perry parecen criticarlo por no tener un vínculo con los eventos contemporáneos, pero se podrían argumentar en torno al 'muelle como Gran Bretaña' (literalmente se convierte en una isla, y una que solo puede ser atacada por mar), la continuación de Ealing en la década de 1950. preocupación por la diferencia generacional (Ambrose es aclamado por la juventud de la ciudad por crear un nuevo salón de baile y bar), o por el cambio de imagen de la costa británica (el muelle victoriano se derrumbó para ser reemplazado por algo más moderno).
La naturaleza lúdica y ocasionalmente surrealista de la película comienza con los títulos iniciales, donde los nombres flotan hacia arriba y hacia abajo en la pantalla como si fueran lanzados por las olas (acción en vivo); continúa a través de las viñetas de la familia Ambrose (una de las cuales se está cocinando en una olla de una tribu nativa que es claramente demasiado pequeña para que quepan todos los humanos); la defensa del muelle por tres pedales contra un bote de dragado también tiene lugar parcialmente en una pantalla de radar que lo hace parecer un videojuego; a la naturaleza destartalada y cubista de algunos de los edificios en el mismo muelle (el Crazy Cottage, que Ambrose hace de su hogar, está lleno de pisos inclinados, superficies inclinadas y techos con un ángulo extraño, y se convierte en el centro de escenas cómicas de él y de la Sra. Barrington (Irene Browne) se emborracha y se desliza uno hacia el otro. También hay una escena temprana de Ambrose aparentemente en cubierta durante una tormenta pero, a medida que la cámara retrocede, se revela que es una cubierta falsa en una escuela de entrenamiento con personas a un lado arrojando agua sobre él, pero la escena también se mantiene. como un recordatorio del engaño del cine, retrocediendo para revelar la "magia" detrás de tales escenas (lo que puede tener particular relevancia para el director Charles Frend, dado que él también estaba detrás de The Cruel Sea, 1953). Los toques cómicos ligeros y auto-referenciales como este levantan la película y equilibran la caída ocasional en el slapstick (que se encuentra en todas las comedias de Ealing).
Una entrada tardía en el canon de la comedia de Ealing, sí, pero que merece ser considerada junto con los triunfos anteriores.
Quem é Beta?
Quem é Beta?
Título original: Quem é Beta?
* 5.7
Año: 1972
Duración: 85 min.
País: Francia
Dirección: Nelson Pereira dos Santos
Guion: Gerard Leclery, Nelson Pereira dos Santos (Historia: Levi Menezes)
Fotografía: Dib Lutfi
Reparto: Noëlle Adam, Arduíno Colassanti, Manfredo Colassanti, Sylvie Fennec, José Kléber, Luiz Carlos Lacerda, Ana Maria Magalhães, Ana Maria Miranda, Nildo Parente, Frédéric de Pasquale, Dominique Rhule, Isabel Ribeiro, Regina Rosenburgo, Cacá Versiani
Género: Drama
Sinopsis: Después de una catástrofe que ha modificado la naturaleza del planeta y destrozado a la sociedad civilizada, una pareja comienza una nueva vida en un cobertizo. Esta relación se ve trastocada por la llegada de una mujer.
lunes, 4 de febrero de 2019
La séptima víctima
La séptima víctima
Título original: La 7ème cible
* 6.4
Año: 1984
País: Francia
Género: Drama, romance
Dirección: Claude Pinoteau
Guión: Jean-Loup Dabadie, Claude Pinoteau
Duración: 108 min
Reparto: Lino Ventura, Lea Massari, Jean Poiret, Roger Planchon, Élisabeth Bourgine, Béatrice Agenin, Jean-Pierre Bacri, Robert Hoffmann, Michael Morris, Erick Desmarestz, Jean-François Rémi
Idioma: Frances e italiano con sub en español
Sinopsis: Un periodista jubilado, Bastien Grimaldi, es víctima de unos asaltantes desconocidos, siendo asaltado y golpeado una noche, a raíz de lo cual empieza a recibir amenazas. Ni él ni su entorno pueden entenderlo. Bastien no tiene enemigos y no es un objetivo político. Se informa a la policía, pero careciendo de eficacia para esclarecer el asunto, será el propio Grimaldi el que tendrá que investigar por sí mismo el asunto.
viernes, 1 de febrero de 2019
En la sangre - Feind im Blut
En la sangre - Feind im Blut
Título original: Feind im Blut
* 6.2
Año: 1930
País: Suiza, Alemania
Género: Drama
Dirección: Walter Ruttmann
Guión: Gerhard Bienert, Walter Ruttmann, Lazar Wechsler
Duración: 49 min
Reparto: Ruth Albu, Gretelott Braxis, Walburga Gmür, H. Kraussbauer, Margarete Kupfer, Ilse Stobrawa, Zoya Valevskaya, Harry Berber, Max Bernhardt, Gerhard Bienert, Wolfgang Klein, Hellmut Kraus, W. Kraussbauer, W. Lüdeke, P. Mette
Idioma: Aleman con sub en español
Sinopsis: A través de una serie de dramas particulares que tienen como protagonistas a un estudiante de medicina, un obrero de una fábrica y una señora casada, se van descubriendo detalles acerca de la sífilis, enfermedad introducida por los conquistadores españoles en el continente, y cuyos devastadores efectos hizo que se pensara en la imperiosa necesidad de educar a la población con esta peculiar propaganda sanitaria anti-sífilis
jueves, 31 de enero de 2019
LOS HOMBRES NO LLORAN - Men Don't Cry
LOS HOMBRES NO LLORAN - Men Don't Cry
Título original: Muskarci ne placu
** 7.4
Año: 2017
País: Bosnia y Herzegovina, Eslovenia, Alemania, Croacia
Género: Drama
Dirección: Alen Drljevic
Guión: Alen Drljevic, Zoran Solomun
Duración: 98 min.
Reparto: Boris Isakovic, Leon Lucev, Emir Hadzihafizbegovic, Sebastian Cavazza, Ermin Bravo, Boris Ler, Ivo Gregurevic, Izudin Bajrovic
Idioma: Bosnio con subs en español
Sinopsis: Un grupo de veteranos con heridas de guerra de ambos bandos del conflicto yugoslavo son reunidos por unos pacifistas para compartir sus experiencias bélicas y tratar de establecer un grado de confianza entre ellos. Las emociones están a flor de piel cuando viejas enemistades y hostilidades salen a la luz, pero los participantes poco a poco dejan de lado sus diferencias y consiguen llegar a un entendimiento y respeto mutuo, o al menos tolerancia, a pesar del derramamiento de sangre que ocurrió en el pasado. (FILMAFFINITY)
Men Don’t Cry (Alen Drljevic)
Escrito por Pablo García Márquez / cinemaldito.com
La primera crónica del Festival de Sarajevo no podía ser otra que la bosnia Men Don’t Cry, que ha acaparado el aplauso general durante su proyección en el Teatro Nacional. La cinta de Alen Drljevic venía abalada tras su paso por el Festival de Karlovy Vary, donde se alzó con el premio especial del jurado.
Men Don’t Cry nos sitúa en un hotel en medio de las montañas, en algún lugar recóndito de Serbia, donde diferentes veteranos de guerra de todas las partes implicadas en las pasadas guerras que asolaron la antigua Yugoslavia (serbios, bosnios y croatas), se reúnen por medio de una organización para encontrar algo parecido a una reconciliación, o al menos, para superar los diferentes traumas que achacan a cada uno de estos hombres.
No hace falta hablar mucho más de la sinopsis de la historia. Sin duda es una descripción potente, que llama la atención, aunque siempre está el miedo a encontrarse ante una cinta donde su interesante premisa se estanca o agota en los primeros minutos. No es el caso de la obra en cuestión por varias decisiones que toma su realizador.
La primera de ellas es el tratamiento casi documental de las sesiones a las que se enfrentan los personajes, donde tienen que revivir las experiencias de la guerra que los han marcado de manera irremediable, ayudado por los demás personajes en una teatralización del momento en un intento de expiar sus miedos. Sin duda, estos momentos entre hombres que de inicio se odian con toda la fuerza posible aún de 20 años después, adquieren una enorme carga dramática.
Lo interesante de este grupo de hombres aparentemente rudos, es que los une varios hilos dramáticos y narrativos. Sí, todos ellos fueron soldados en la guerra, todos arrastran un trauma y además, todos han acabado solos, especialmente en lo referente a las mujeres de sus vidas, sean sus madres, hijas o hermanas. Porque la película también analiza una cierta masculinidad herida, un retrato de lo que sucede cuando los guerreros vuelven a sus casas, y lo que encuentran es un mundo que ya no comprenden y se mueven de manera tosca, emanando violencia o locura. Una masculinidad arcaica y que naufraga en el mundo moderno de hoy en día.
La obra, además, hace un retrato brutal de los personajes y sus traumas, al punto que prácticamente actúan por los sucesos del pasado. Después de 20 años, sus vidas diarias se rigen por lo que sucedió dos décadas atrás. Están atrapados. No son el presente de sus países, ni pueden ser el futuro. Son un pasado que deambula como una sombra por una sociedad que intenta avanzar a duras penas. En este punto la cinta se muestra coherente hasta el último momento y hasta cruel. Basta recordar la escena, por lo demás demasiado fácil, en la que los personajes se encuentran con un grupo de chavales de un conocido equipo de fútbol donde militan jugadores de diferentes religiones. Los miran recordando lo que una vez fueron, y lo que nunca volverán a tener.
La película de Alen Drljevic no intenta responder quién empezó la guerra, ni tampoco cómo pudo suceder. Curiosamente, esto no crea una equidistancia moralmente deleznable. Simplemente no es la pregunta a responder. Tampoco intenta recrearse en el dolor, ni utiliza casi ninguna clase de herramientas cinematográficas para potenciar el drama. Solo necesita un hotel entre las montañas, un desecho de hombres con el alma rota y la interacción entre ellos para calarnos hondo, a parte de los terroríficos momentos donde deben recrear sus traumas, filmado a la manera casi documental, frío, seco.
Pero más allá de estos momentos dramáticos de la recreación de los sucesos de la guerra, la película se sustenta en sus personajes y en la interacción que se produce entre ellos. Tras un inicio gélido, por no decir complicado, descubrimos que los tres grupos muestran fisuras entre ellos mismos. Si al principio vemos, por ejemplo, a los bosníacos unidos, pronto se muestra una brecha entre ellos producido por la religión o la manera de entender la contienda. Esto sucede de igual forma en los diferentes “equipos”. Lo que comienza siendo una presentación de personajes mostrados con simples pinceladas, va entrando en una compleja zona gris, entre otras cosas, por la obligación que rige —y que realmente existe— a este tipo de encuentros donde los veteranos de guerra deben compartir habitación con el “enemigo”.
Pronto surge entre algunos de ellos una cierta comprensión, motivados al descubrir los solos que se han quedado en este mundo y al ir descubriendo y sintiendo como propios los traumas de los demás. El alcohol y los cigarros hasta altas horas de la noche parece entonces hacer más efecto que las sesiones, las caminatas al aire libre o los juegos a los que deben hacer frente y que comanda un psicólogo esloveno.
Tal vez uno de los grandes aciertos de Alen Drljevic reside en plasmar este acercamiento y distanciamiento de los personajes de manera sutil pero creíble. Nada resulta forzado. Todo fluye, natural. Y esto es gracias a la construcción de unos personajes que siempre tienen un porqué en cada una de sus acciones. Siempre.
Men Don’t Cry es una de las obras más estimulantes de la temporada, con un trabajo actoral impresionante, donde podemos encontrar a algunos de los mejores actores de la región balcánica. Y aunque sean nueve hombres, la película se detiene en cinco de ellos. Habría que recordar que algunos de ellos participaron en la guerra. Que fueron enviados al frente. Incluso en el caso del actor croata Leon Lucev, su historia, la primera que se cuenta, está basada en una experiencia personal parecida.
Tal vez estemos, por fin, ante un tipo de drama bosnio que ha dominado la escena cinematográfica de la última década, donde se han superado ciertos mecanismos y miradas que se repetían. Men Don’t Cry no es un punto y final al trauma, pero la extraña sensación que se saca de su visionado es que ahora toca mirar hacia adelante, donde una nueva generación debe enfrentarse a una terrible situación económica y política producto de la guerra —y de una paz necesaria pero cuyos mecanismos, en los acuerdos de Dayton, mantienen prácticamente al país al borde del abismo—. En resumen, una cinta que sigue ahondando en la idea de una cierta reunificación, si no territorial, al menos moral.
Producida, entre otros, por la cineasta Jasmila Zbanic, Men Don’t Cry es un artefacto construido y trabajado desde las experiencias de sus actores, que se fusionan en un juego de espejos con sus personajes, reproduciendo en muchas ocasiones la actividad que realmente se lleva a cabo entre los reencuentros de veteranos, donde sobresale en medio del drama y la tensión un maravilloso humor negro que salpica el relato allí y allá.
Por último y para no extenderme, estamos ante una obra local que se entiende de manera universal, algo por otro lado a lo que nos tiene acostumbrados el cine bosnio. Una historia que puede entenderse y emocionarsenos viviendo en Munich, Buenos Aires o Casablanca, por mucho que funcione como expiación de los traumas y miedos que aún se sienten en Bosnia y tenga, sin duda, un significado propio en Sarajevo.
No es necesaria. No debe ponerse en las escuelas.
Llevo un tiempo con la mosca detrás de la oreja al comprobar que en Europa se suele mirar casi de manera paternalista al cine bosnio y que en ocasiones parece que si una película, sea buena o mala, hable de la Guerra de los Balcanes ya tiene el aplauso asegurado.
Simplemente es una muy buena película que animo a verla.
KARLOVY VARY 2017 Competición
Men Don't Cry: usar el drama psicológico hasta conseguir un efecto cinematográfico catártico
por Vladan Petkovic / cineuropa.org
Alen Drljevic utiliza el drama psicológico como herramienta para cuestionar el pasado bélico y turbulento de la antigua Yugoslavia
El director bosnio ha traído su primera película de acción, Men Don't Cry, a la competición oficial de Karlovy Vary. Esencialmente, una pieza de cámara que transcurre en un hotel. La cinta muestra un taller terapéutico para veteranos de guerra, de la antigua Yugoslavia, que se enfrentan a sus traumáticos pasados en forma de drama psicológico. En lo que respecta al uso que el director hace del método como herramienta cinematográfica, la contribución clave es la del reparto de estrellas de los Balcanes, con Leon Lucev y Boris Isakovic como protagonistas, junto con las grandes participaciones de Emir Hadžihafizbegovic, Boris Ler, Ermin Bravo, Ivo Gregurevic y Sebastian Cavazza.
La película abre con un ejercicio simple que, en seguida, se convertirá en una pelea. Los veteranos bosnios, serbios y croatas se acaban de reunir en un hotel aislado en las montañas, y los sentimientos está a flor de piel. Después, el croata Andrija (el actor esloveno Primož Petkovšek) se va furioso, ya que no entiende que su compatriota Valentin (Lucev) no quiere comprometerse con la narrativa nacionalista de su país, o de ninguno de los tres países, de hecho. Solo cambia la nacionalidad, el modelo de pensamiento, desarrollado a través del adoctrinamiento, es idéntico.
Al día siguiente, el jefe esloveno del taller, Ivan (Cavazza), anima a los participantes a empezar a hacer frente a sus traumas. El primero en contar su devastadora historia de culpa, y representarla a través de un modelo de drama psicológico junto a sus compañeros, es Valentin.
Por otra parte, dos de los bosnios del grupo, Merim (Hadžihafizbegovic), de mediana edad, y el veinteañero en silla de ruedas Jasmin (Ler), se ven envueltos en un conflicto. Mientras que Merim, no solo es un musulmán devoto, sino también supersticioso, Jasmin es, entendiblemente, completamente nihilista, al haber terminado paralitico a una edad tan temprana.
En un momento durante el día, Miki (Isakovic), le compra al recepcionista (Izudin Bajrovic) un brandy casero y en plena borrachera empieza a cantar una conocida canción yugoslava, un éxito en todo el antiguo territorio. Esta escena termina con el destrozo del restaurante del hotel, con una especie de juego de guerra en el medio. Ya sean víctimas, criminales o héroes de guerra, los hombres de los Balcanes no cambian.
Antes de la conmovedora y última escena, veremos las representaciones de la tortura de Merim en un campo de refugiados y la experiencia de Miki de ser forzado a matar civiles, a la vez que averiguaremos los verdaderos motivos de la furia de Jasmin. Todas estas secuencias por separado son tremendamente catárticas, muestran el brillante talento de los actores, el resultado total es, realmente, devastador.
Los personajes de Lucev y Isakovic son los machos alfa, y también son los dos actores que dominan la película. Pero el nerviosismo de Hadžihafizbegovic, la calmada furia de Ler y especialmente la vulnerabilidad de todo el reparto, es lo que mantiene el equilibrio de las actuaciones y se aleja del sentimentalismo exagerado, incluso con todos los gritos, cantos, fuego, lágrimas e incluso sangre que contiene la cinta.
El uso de Drljevic de espacios cerrados y limitados es magistral, y el drama psicológico como herramienta es tan catártico para el espectador como para los personajes, y como debe serlo para todos los veteranos que se dejan llevar y deciden aceptar y enfrentarse a sus pasados desagradables en la realidad.
miércoles, 30 de enero de 2019
María Rosa
María Rosa
Título original: María Rosa
** 6.9
Año: 1965
País: España
Género: Drama
Dirección: Armando Moreno
Guión: Enrique Josa, Armando Moreno, José María Nunes, Ricard Salvat (Obra: Ángel Guimerà)
Duración: 84 min
Reparto: Núria Espert, Francisco Rabal, Asunción Balaguer, Carlos Otero, Antonio Canal, Luis Davila, Antonio Vico
Idioma: Castellano
Sinopsis: Con el propósito de conseguir a María Rosa, la mujer de la que está profundamente enamorado, Marsal asesina a un prestamista odiado por todo el pueblo y hace recaer las sospechas sobre su amigo Andrés, el marido de su amada. Encarcelado Andrés, Marsal se convierte en el protector de María Rosa mientras espera el desarrollo de los acontecimientos.
Acero
Acero
Título original: Acciaio
** 6.7
Año: 1933
País: Italia
Género: Drama
Dirección: Walter Ruttmann
Guión: Emilio Cecchi, Stefano Landi, Walter Ruttmann, Mario Soldati (Novela: Luigi Pirandello)
Duración: 66 min
Reparto: Piero Pastore, Isa Pola, Vittorio Bellaccini, Alfredo Polveroni, Olga Capri, Romano Calò, Romolo Costa, Domenico Serra, Giulio Massarotti, Arcangelo Aversa, Enzo Paglierici, Luigi Erminio D'Olivo
Idioma: Italiano con sub en español
Sinopsis: Mario, obrero de la acería de Terni, está enamorado de Gina, que, sin embargo, va a casarse con Pietro, compañero de Mario. Cuando éste se entera, solo la amistad y el compañerismo que le une a Pietro le ayuda a superar la decepción. Este delicado equilibrio de pasiones se ve trágicamente alterado tras un accidente en la fábrica del cual es culpado Pietro.
domingo, 27 de enero de 2019
Os Bandeirantes
Os Bandeirantes
Título original: Bandeirantes
Año: 1940
País: Brasil
Género: Historico, drama.
Dirección: Humberto Mauro
Guión: Humberto Mauro, Affonso de Taunay, Edgar Roquette-Pinto, Olavo Bilac .
Duración: 39 min
Reparto: Silveira, J. , Pires, Álvaro, Almeida, Fialho de Andrade, Judith de Wandeck, José Maciel, Wilson
Idioma: Portugues con sub en español
Sinopsis: La epopeya del desbravamiento y de la conquista del territorio, en la búsqueda del oro y de las piedras preciosas. Las grandes banderas y los principales bandeirantes, destacándose la figura de Fernão Dias Paes Leme y la leyenda de las esmeraldas, en el famoso poema de Olavo Bilac.En cuanto al "ciclo de desbravamiento", algunos aspectos de la función de San Pablo y episodios de la catequesis de indios por Anchieta y de hechos que tuvieron participación de João Ramalho y del cacique Tibiriçá. La penetración de Raposo Tavares por el oeste brasileño, superando las dificultades y su llegada al Fuerte de Gurupá, en Pará - después de haber bajado el río Madeira, subido el Amazonas, el río Napo, hasta Quito; y su regreso a Quitaúna, en São Paulo. A continuación, el guión de Fernão Dias Paes Leme por el interior de Minas y su muerte causada por la malaria
La historia en el oscuro del cine
Un estudio muestra la extensa ligazón entre el séptimo arte y el Estado en Brasil
El primer gran evento del flamante Estado Novo fue la creación del Altar de la Patria, en noviembre de 1937, escenario en que se encendió una pira para la quema de las banderas estaduales, en una demostración de que el poder estaba entonces en manos de Vargas. Una semana después estrenaba el film O descobrimento do Brasil, del cineasta Humberto Mauro (1897-1983). “No fue por casualidad, porque reúne simbólicamente los lazos entre política, historia, educación, religión y arte (cine y música), como si pusiese en escena esa comunión nuevamente en el momento del descubrimiento y les mostrase a los espectadores que lo que vieron y vivieron en 1937 tenía su origen en 1500”, analiza el historiador Eduardo Morettin, docente de la Escuela de Comunicación y Artes (ECA) de la Universidad de São Paulo (USP) y autor de Humberto Mauro, cinema e história, que será publicado en 2011 por editorial Cosac & Naify. “La idea de nación en las películas de aquella época se relacionaba con la supresión de los derechos civiles y de todo lo que representase lo regional o las visiones particulares a las que el régimen veía como divergentes ante el interés nacional”, explica. Conciente de ese inmenso poder del cine, Vargas lo bautizó “el libro de imágenes luminosas”.
“El cine se transformó en propaganda de los símbolos nacionales del Estado y de sus instituciones de cultura. Las imágenes cinematográficas cobraron un estatuto igual al de las artes plásticas y al de los libros didácticos”. Entre los diversos productos de esta visión se destacan O descobrimento y Os bandeirantes (1940), ambos de Mauro, pero poco asociados al cineasta de Cataguases. “Esas películas producidas en pleno Estado Novo y totalmente en sintonía con su ideología fueron olvidadas por la crítica pues, comparativamente, son precarias y desentonan con lo que el director de Minas Gerais hizo antes y después. Empero, olvidarlas sería dejar de lado la faceta conservadora de la producción de Mauro”, dice el investigador. Al fin y al cabo, será el movimiento del Estado y el de los intelectuales conservadores entre los años 1920 y 1930, sostiene Morettin, cuando ambas películas tuvieron función ejemplar, lo que acabará por dotar al cine brasileño de su legitimación cultural. “Ambos se insertan en un proyecto más amplio de discusión acerca del uso del cine con fines educativos, en el cual era importante validar el discurso cinematográfico. A tal fin, se echaba mano de estrategias de autenticación para diferenciar entre la película educativa y el melodrama de la época, en el cual no existía una preocupación con la verdad histórica”. El cine nacional dio entonces sus primeros pasos de manos dadas con el Estado. “La década de 1930 puede haber sido el momento en que se creó la política cultural para consolidar el cine brasileño, pero fue antes, en los años 1920, que tuvo inicio la ligazón entre él y el Estado.”
El evento fundador de esa unión acaeció durante la Exposición internacional del centenario de la Independencia en Río de Janeiro, entre 1922 y 1923, cuando el gobierno puso en marcha distintas iniciativas de apoyo a la producción: la contratación de camarógrafos y productores; la subvención a la realización de películas, con la exención del arancel de importación de negativos; la compra y la producción de documentales, etc. Todo eso para que el país tuviese cintas que les revelasen a los brasileños y a los extranjeros “nuestro progreso”. “Esto demuestra que existía una sintonía entre Brasil y EE.UU. o con los países europeos, en donde las cintas cinematográficas se usaban como vehículos de propaganda. Para los organizadores de las exposición, el cine aportaba el necesario aggiornamento en el mundo contemporáneo”. De acuerdo con la crítica de la época, la dificultad de aceptación del cine en Brasil derivaría de una supuesta insistencia del medio en hacer visible la desigualdad y la falta de armonía, como en las populares “películas naturales”, dedicadas a la exuberancia de la naturaleza y a la vida en el campo, una “oportunidad” para visualizar lo indeseable. Los educadores pedían la creación de un cine digno del país idealizado por la elite y que representase sus “cualidades”. Ese discurso moralizante se alienaba con el movimiento de los años 1920 y – 30 de intelectuales como Edgar Roquette-Pinto y Fernando de Azevedo alrededor de los educadores de la Escuela Nueva, que exigían la inclusión del cine en el currículo escolar.
“En ese contexto se destaca la acción de Roquette-Pinto, quien fue el gran pensador del uso de los medios masivos de comunicación, como la radio y el cine, en el desarrollo de la transformación de la sociedad, y en 1910 creó nuestro primer archivo de cintas cinematográficas científicas en el Museo Nacional, afirmando que el cine extendería el conocimiento a todos los ciudadanos”, afirma la historiadora Sheila Schvarzman, docente de comunicación contemporánea de la Universidad Anhembi Morumbi, autora del libro Humberto Mauro e as imagens do Brasil (Editora Unesp). “Él reconocía el potencial educativo del cine, pero negaba que éste tuviese un estatuto artístico. Llegaba a decir que el cine de ficción era un ‘agitador de almas’. Al fin y al cabo, para Roquette-Pinto y para Vargas el cine era un instrumento que llegaba al pueblo directamente, – enseñaba independientemente de la voluntad de aprender y llegaba muy lejos en el espacio – debido a su lenguaje visual, que hasta los niños y los analfabetos comprendían”. Sus imágenes serían la expresión de progreso, ya que eran capaces de reproducir fielmente lo real, con la posibilidad de “generar progreso” por los ejemplos que transmitirían. Con su carácter de espectáculo, advertían, el cine era eficaz en la transmisión de mensajes, y por ende, capaz de vencer las “resistencias de la ignorancia, del poder local y del atraso”. Eso, por supuesto, en caso de estar en “manos concientes y capacitadas”: urgía “salvar al cine del propio cine”, alejándolo de la ficción y poniendo su poder al servicio de la educación.
“Empero, las personas se verían obligadas a tener con el cine una relación pautada por la razón fría, no por el sentimiento. Se pretendía formar al público, visto como un todo homogéneo, que no sufriría la influencia ‘negativa’ de los filmes llamados comerciales. Se preocupaban mucho con los niños, que eran para los educadores ‘presas fáciles’. Bastaba con ver las ‘manifestaciones descontroladas durante las matinés’: ‘es un griterío ensordecedor en la sala, una exaltación desvariada de los jóvenes, presos de una intensa emoción'”. El Estado fue convocado a hacerse cargo. Inicialmente mediante el decreto nº 2.140, de 1932, que entre otras medidas creó la obligatoriedad de la exhibición de un cortometraje nacional antes de la proyección de un largometraje de ficción. En el texto se destacaba la importancia de la película educativa, – instrumento de grandes ventajas para la instrucción del público y de la propaganda del país, dentro y fuera de sus fronteras –, alcanzando a todos: “La escuela de los que no tienen escuela”. En 1936, el gobierno fue más allá y resolvió producir sus películas, con la creación del Instituto Nacional de Cine Educativo (Ince). Roquette-Pinto, director del órgano, llamó a Humberto Mauro para ser director técnico y el cineasta produjo en tan sólo 11 años alrededor de 300 películas sobre zoología, educación artística, física, literatura, danza, geografía e historia, además de reportajes que exaltaban la figura de Vargas.
Click the image to open in full size. Click the image to open in full size.
Click the image to open in full size. Click the image to open in full size.
Hollywood
Mauro era un director de prestigio: había creado obras tales como O tesouro perdido (1927), Brasa dormida (1929) y Ganga bruta (1933). “Eran películas con el lenguaje del cine narrativo de Hollywood, pero en el espíritu ideológico de la revista Cinearte, de Adhemar Gonzaga, que privilegiaba temas vinculados a las ‘cualidades nacionales’, y escondía la pobreza. Lo que se debería hacer era mostrar un Brasil ‘civilizado’ como EE.UU. y Europa, distante de todo aquello que, para las elites, era la cara de nuestro atraso”, sostiene Morettin. “Algunos años más tarde, Mauro optó por una nueva visión, en la cual el cine era una vía de modernización por medio de la educación, ya que no sería suficiente ni posible crear imágenes modernas en una sociedad arcaica, como quería Gonzaga. En el proyecto del Ince, el cine no era un fin en sí mismo o una forma de expresión; era más bien un medio”, acota Sheila. “A partir del trabajo conjunto con Roquette-Pinto, el director entró en contacto con el proyecto salvacionista de llegar a la modernidad a través de la educación. Mauro se persuadió de la idea de que la nación y sus valores eran capaces de redimir al hombre corrompido por el pecado original”. La primera gran exhibición del nuevo ideal no surgió del Ince, sino de un pedido del Instituto del Cacao de Bahía, que invitó a Mauro a producir un cortometraje de propaganda que terminó transformándose en O descobrimento do Brasil. “La obra era parte de un proyecto destinado a encontrar la manera correcta y científica de retratar la historia, es decir, mediante la visualización del hecho histórico. Para validar la inserción en el mercado, dentro del concepto de cine con fines educativos, la película contó con las consultorías de Afonso de Taunay, director del Museo Paulista, y Roquette-Pinto. Villa-Lobos fue autor de la banda sonora”. Referentes iconográficos de cuadros como A primeira missa (1861), de Victor Meirelles, o el uso de la carta de Caminha como referencia primordial del guión (llega incluso a aparecer literalmente en la pantalla), fueron rescatados para dotar de autenticidad y valor educativo a la producción. “Lo que se pretendía era sacar de la película cualquier rasgo del entretenimiento del melodrama. Las películas históricas, de acuerdo con sus idealizadores, deberían escenificar documentos, para poner a los espectadores en contacto con la historia ‘como fue’.” Para Taunay, por ejemplo, bastaba con animar pinturas de objetos históricos para dotar de veracidad a las imágenes en movimiento. Esto explica la composición estática de las películas, en tableaux, plagados de referencias pictóricas. “No era simplemente una obra de propaganda, sino que la producción de Mauro y la música de Villa-Lobos se encajaban perfectamente en la idea de la formación de un cuerpo unido alrededor de objetivos comunes, con un líder por encima de las divergencias sociales”. ¿Mauro sería una versión nacional de Leni Riefenstahl?
Villa-Lobos
“Existen semejanzas, pero al contrario de la cineasta alemana, Mauro era solamente un técnico, con autonomía restringida, alguien capaz de transformar en imágenes las teorías de los intelectuales, sin grandes autorías. Villa-Lobos sí, fue un artista que mitificaba el rol del Estado como sujeto de la historia; pero Mauro no veía en su trabajo en el Ince una identidad entre su creación como cineasta y la ideología del régimen”, cree Morettin. Asimismo, en ambas películas, el director, aunque de manera inconsciente, revelaría ser un adepto incierto del proyecto ideológico. “Esto aparece en algunos pocos rasgos de autor que se pueden ver en la película, como la melancolía y la ausencia de finales felices, típicas de su estilo. Esas interferencias impidieron que las películas fuesen el medio apropiado para el sentido épico que los intelectuales del régimen pretendían ver retratado”. En O descobrimento, sigue, existe efectivamente una lectura armoniosa del momento fundador de la nación: basta con ver la escena de la recepción que brindaron los portugueses a los indios, cuando Cabral y fray Henrique de Coimbra parecen mecer el sueño de los nativos. O en Os bandeirantes, en la cual la ideología varguista se manifiesta en el discurso de Fernão Dias Paes al ahorcar al hijo para mantener la disciplina y el orden de la expedición, como hacía Vargas, el “padre” de la sociedad brasileña. A contramano, el director enfatizó inesperadamente el costo de la empresa de los bandeirantes (enfermedades, muertes, hambre), e incluso el momento del descubrimiento de las piedras preciosas, el supuesto clímax, recibe dos meros planos a distancia. La muerte melancólica de Fernão Dias Paes igualmente, no se encuadra en una esperada apología histórica. Esto se repite en el final ambiguo de O descobrimento, cuando, en el contratiempo de la música jactanciosa de Villa-Lobos (con coros de “¡Brasil! ¡Brasil!”), el público ve la imagen de la cruz con tres desolados desterrados a su alrededor. Son disonancias fuertes. “Pero no creo que fuese una crítica conciente o un sabotaje al proyecto ideológico, sino que refuerza la idea de que el cine es polisémico y no puede ser amordazado”. Después de que Roquette-Pinto salió del Ince, en 1947, Mauro logró nuevamente filmar cosas notables como Canto da saudade (1952), y refuerza la idea de que las películas históricas fueron solamente un interregno en su carrera. La ambivalencia de esas películas impidió que se identificasen totalmente con el Estado Novo. Tardó para que el mundo evocado en películas como Ganga bruta resurgiese y el Cinema Novo rescatase a Mauro como “el padre fundador del cine brasileño”. Leni Riefenstahl, en el trópico, recibió el perdón.
Suscribirse a:
Entradas (Atom)
AMIGOS MIOS
Título original: Amici Miei Año: 1975 Duración: 109 min. País: Italia Dirección: Mario Monicelli Guion: Tullio Pinelli, Pietro Germi, Pier...
-
La gata Título original:La gata * 5.9 Año:1956 País: España Género: Drama Dirección: Margarita Alexandre, Rafael María To...
-
Corre, gitano Título original:Corre, gitano Año:1982 País:España Género:Drama - Musical Dirección: Nicolás Astarriaga, Tony...
-
Gokumon-to puerta del infierno / The Devil's Island Título original: Gokumon-toaka ** 6.9 Año: 1977 Duración: 141 min. Paí...



















